本书是我社2010年出版的《美学大辞典》的修订缩印本。选收美学方面词目近4000条。全书按学科分类编排，分为美学原理、中国美学、外国美学、艺术美学四大类，每大类下均细分相应小类，如美学原理下分有美学、经典美学、美、审美、美感等小类。书末附有中外美学大事年表、外文索引等。
本次修订少量调整了框架结构；增补了近年来的最新资料，如装置艺术、行为艺术、动漫艺术、公共艺术、视觉艺术、新媒体艺术、音乐剧，如2

美学大辞典（修订版）

本书一改传统艺术史的写作思路，在全书的开篇先教给读者分析艺术的方法，在此基础上再进一步开始以历史时间为轴线展开分析。第二章介绍了经典的史前艺术，包括新石器时代的西欧、亚洲、东亚和非洲艺术。除此之外，还从人文的角度介绍了史前的艺术家与当代艺术家的比较，这些比较都是基于其具体的社会情境来进行的。第三章围绕古代艺术中的经典之作，这些作品涵盖苏美尔艺术、古埃及艺术、印度河流域的艺术、爱琴海艺术、中国商朝的

培生艺术史：史前和古代艺术

《机械复制时代的艺术》是本雅明最具颠覆性的作品。书中论述了技术革命在当代所孵化的新的艺术样式——机械复制艺术。他从艺术生产理论出发，从制造技术的角度，剖析了古典艺术与现代艺术的区别。机械复制技术制造了“世物皆同的感觉”，消解了古典艺术的距离感和唯一性。导致了古典艺术的“灵光”消逝，即艺术美境的流失。在机械复制时代。艺术不再以仪式为基础。而是建筑于政治学之上。在《机械复制时代的艺术》(全译彩图本)中

机械复制时代的艺术

在剑桥形形色色的各种讲座中，就讲演者的知名度、面向公众的影响力以及在普及与学术的结合、听众人数(在剑桥大学最大的报告厅举行)方面，声望最高、首屈一指的就是剑桥大学达尔文学院的这个系列年度主题讲座。 
    这些讲座主题开放，论述深入，叙述新颖，不守常规，多个学科就一个主题由各学科从多个视角来阐述，主题本身似乎不属于任f可学科，比如“ 结构”“起源”“颜色”“灾难”“记忆”“证据”“时间”“身体”

剑桥年度主题讲座:色彩

艺术审美的脱节如何引发文化的瓦解？——
艺术风格的变化，正是社会更迭的缩影。
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赛德尔迈尔将法国大革命以来的艺术品作为理解社会转变的基础，将每个时期出现的新的艺术现象视为时代的“症候”，并在此基础上通过诊断整合成“中心的丧失”这一概念。现代艺术的审美脱节不仅意味着风格问题，而且指向了更深层的文化和宗教瓦解过程。因此，这是一部关于精神的批评之作，作者从艺术出发，既考量时代的丰功伟业，又不回避它的苦

艺术的危机

Thoughts on Interaction Design

Finally, we are learning that simplicity equals sanity. We're rebelling against technology that's too complicated, against DVD players with too many menus, and software accompanied by 75-megabyte "rea

The Laws of Simplicity

从历史和文化的层面看，创作静物画的群体几乎不可能更五花八门了。那么，又是什么容我们将如此形形色色的图像归为同一范畴呢？诺曼·布列逊认为，静物画不同类型之间的家族相似性来自于它对某种物质文化水平的基本描绘，而这样的物质文化在漫漫的时间长河里，在民族文化的不同区域中，其轮廓是大抵相仿的，即体现为日常起居和待客礼仪。本书的基本主题就是，如何历史地看待这种“低级的现实”，以及它是怎样受周围“高级”层面的文

注视被忽视的事物

《丹托的艺术终结观研究》是对丹托的“艺术的终结”思想进行的全息透视。它试图摆脱目前国内学界对丹托艺术终结命题的思考的孤立性，把该命题与哲学家本人的整个艺术哲学思想以及当下西方艺术哲学语境之间的互动关系作为重点，从而全面地把握该命题的多重内涵和内在理路。此外，著作末尾转到国内学界对该命题的讨论，试图反思这一命题在国内探讨中的内涵的迁移、对中国文论建构的价值以及所存在的不足。

丹托的艺术终结观研究

《艺术》紧密联系后期印象派以及立体主义等现代实践，围绕艺术的本质属性乃是意味的形式这一著名美学观点，阐述了艺术与宗教、艺术与社会、艺术创造与自由等问题。
贝尔的这一理论在世界各国产生了很大的影响，被誉为最令人满意的现代艺术理论，其艺术的本质属性乃是有意味的形式已成为现代美学中最流行的警句。

艺术

《建筑与象征》是一部经典的建筑图像学论著集，是建筑史和图像学的杰作和必读书。《图像与题铭》则讨论了我们惯见熟闻的视觉材料，让我们用新的眼光去看待单调的俄罗斯圣像和拜占庭希腊铭文。近期帕诺夫斯基的奠基性著作《图像学研究》也出版在即，它们一起将给我们呈现西方图像学研究的轮廓。

图像与题铭

我想，大多数人从未在一幅画前哭过，甚至从未产生某种感触至深的情绪，绘画作品让我们悦目，它们予人欢畅，观看后令人愉悦、轻松，而最好的作品更是美不胜收，让人记忆犹新——但这种美仅仅在心中持续片刻，我们即刻离去，欣赏其他作品。
这不是一本教我们如何流泪的手册，没有任何方式能引导你在绘画面前产生强烈的感受，更别说哭泣。但我想尽量寻求人们为画而哭的原因。绘画作品能够深深吸引我们的想象，但它需要时间慢慢体会，

绘画与眼泪

《美术史的基本概念——后期艺术风格发展的问题》是整个二十世纪美术史的三部核心经典之一，不仅美术史读者必读，也是其他人文学者的必读书，它对二十世纪美术史研究体系的构建产生了巨大而深远的影响。在二十世纪的西方学术界，除了贡布里希的《艺术的故事》，没有哪一部美术史著作能够望其项背；它在中国的影响，也超过了任何一部美术史或者美学方面的著作。

美术史的基本概念

本书以先锋派为对象，荟萃了20世纪三四十年代以来西方著名思想家，包括克莱门·格林伯格、马泰·卡林内斯库、彼得·比格尔、安德烈亚斯·胡伊森等人讨论先锋派的经典篇什。其探讨大致涉及先锋派的概念、特征、定位等，本书也按此分成三个部分。第一部分主要探讨种种不同的先锋派观念，记录了先锋派及其理论从欧洲到美国的去政治化转变，以及从形式主义界定到自主艺术体制批判观的历史变化。第二部分主要探讨先锋派的美学特征及其

先锋派理论读本

“现代主义之后的艺术史”不仅意味着今天的艺术看上去已经截然不同，还意味着我们的艺术话语已转向完全不同的方向——假设可以确定地说它选择了某个方向的话。
以此为开端，汉斯•贝尔廷在这个千禧年结束之际对艺术和艺术史做了一次精妙的反思，而他所倚赖的基础便是他更早期那部大获成功的《艺术史的终结？》。贝尔廷“以对艺术本质作出了让人印象深刻的原创理论而闻名”（《经济学人》），这一次，他审视了今天的艺术是如何被创

现代主义之后的艺术史

前衛藝術要帶我們走向哪�?羅森堡以睿智、犀利和帶著嘲諷的筆調，剖析當代各種新形態藝術，並且提出，在這不斷重新定義藝術的拆、解過程中，雖然藝術越來越活潑而且去形式化，但也有逐漸走向庸俗的危機。當進入美術館的觀眾越來越多時，藝術家可能也逐漸在消失中。本文集網羅一九六０年代有關紐約重要畫展的評論，對於藝評家、美術館在展覽中所扮演的角色功能，有深入的批評。

拆/解藝術

新的传统

本书囊括美国著名艺评家罗莎琳·克劳丝在1973-83年间写的十五篇艺术评论。文章写作时期，仍是美国历史主义式艺术史当道的时期，克劳丝以结构主义、符号学、后结构主义的分析方法，对前卫及现代主义展开新的解读方式：以罗丹的复制雕塑为例，提出对原创的质疑；以毕加索的拼贴发明，反驳传记性溯源的适当性；以绘画中常出现的格子，作跨时代的作品阅读。这些文章不仅提出新的艺术写作方法，同时更是对艺术批评的犀利批评。

前卫的原创性

帕诺夫斯基与美术史基础

贡布里希对世界著名学者的经典阐释，一部捍卫古典文化传统、拯救人文科学的呕心沥血之作。

本书是我社《贡布里希文集》的第七本，介绍了黑格尔、博厄斯、瑞恰慈、耶茨夫人、克里斯、库尔茨等十一位世界著名学者的艺术思想，并以期通过对他们的介绍达到振兴目前处于衰退的人文学科的目的。作者认为，人文学科是人类的记忆官能，人文学科需要受控的想象力，人文学科不能以自然科学的精确客观标准为标准，因为这会导致它的非人性化

敬献集

《学院丛书:哥特形式论》包括了作者的对哥特艺术真切、直观的感知或愉悦的体验——这里并不仅仅是社会的和经济的状态，而是指哥特人，他的世界与意志的一般的精神性渴望。《学院丛书:哥特形式论》主要内容包括历史的方法、艺术与美学、作为人类心理学的艺术科学、原始的人、古典的人、东方的人等。

哥特形式论

本书用极短的篇幅和清晰的逻辑线索，把西方美学史两千多年的思想发展历程纲要式地展现在读者面前。对历史上各种美学流派的展示，不限于就事论事地重复美学家们的观点，而是作了大量清理、疏通、比较和提炼的工作，并给每个阶段的美学家的思想都建立了一个精确的模式或概念图式，以呈现出这些美学家每一代在思想史上都作了哪些创新和推进，以及它们向下一代美学家思想演进的逻辑必然性。它教给学生的不仅是美学史的知识，而且是美学

西方美学史纲

色彩艺术

本书共分十章，对世界现代设计史的源流、发展及现状进行通论式的阐述，描述世界现代设计史上的各个时期重要流派、重要人物、重要作品，展现世界现代设计史的基本轮廓、构建基本框架。

世界现代设计史

向大师学插画

伴随着现代绘画、雕塑和建筑以及当代公共空间的发展和转型带来的城市文化新需求，公共艺术成为当代城市文化的重要载体、一种十分重要的当代文化现象，代表了艺术与城市、艺术与大众、艺术与社会等关系的一种新的取向。
但是，对“公共艺术”概念及其涉及范围的界定，不同的国家、不同的历史时期、不同的文化视角有着不同的解读，本书对公共艺术涉及的历史、哲学、当代文化现象和公共艺术的发展趋势以及欧美国家公共艺术政策法规、

公共艺术概论

本书是20世纪西方美学一个重要流派——符号学美学的代表作之一。《艺术问题》与《情感与形式》是朗格集中阐述其美学思想的主要著作，共同指向她独创的最重要的美学命题，即将艺术定义为“人类情感的符号形式的创造”。《艺术问题》从这一理论基础出发，提出艺术应当表现“生命的逻辑形式”，并将这种生命形式的基本特点概括为有机性、运动性、节奏性和不断成长性，进而认为艺术创造应当把握这些特征、自觉运用艺术直觉捕捉艺术形

艺术问题

本书系伊戈尔·斯特拉文斯基(Igor Stravinsky，1882-1971)于1939年受哈佛大学“诺顿系列讲座”委员会之邀，以“音乐诗学”为题所做的人次讲座的文稿而整理成书，曾分别以法语和英语出版。本书不是一本系统严谨的理论研究著作，也有别于一本传授音乐概念性知识的教科书。它从一位作曲家的角度，结合个人创作实践和亲身体验，以辩论者的姿态现身说法，将创作者个人置于具体的历史环境之中，阐明了作者

音乐诗学六讲（修订版）

贡布里希的兴趣范围和成就，很难用语言概括；一般读者会觉得他的《艺术的故事》是一部介绍艺术的最清晰、最富于才智的著作，学者更愿意阅读甚至反复阅读他对文艺复兴艺术理论和图像问题的研究。在贡布里希的研究中，最终的目的总是指向哲学的。就阐述历史变化和艺术发展而言，他反对那样一些关于有机体的概念，这种有机体被解释为独立的、超个人的集体精神，例如黑格尔的时代精神之类。
正如作者所言：“本书的文章出诸一个艺术史

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