![细究名画·色彩 - [英] 大卫·邦福德](https://static.book345.com/covers/s/9787559849724.jpg)
一本开启色彩感知的魅力手册：
“色彩是绘画中真正的炼金术，它拥有改变一切的魔力”
英国国家美术馆经典书系
三大主题构建一部色彩斑斓的美术史
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色彩是绘画作品中的基本构成要素，却常常被人们忽视。人们普遍认为色彩在绘画作品中是理所当然的存在，所以极少去思考色彩是如何产生的，以及画家又是如何利用色彩来表现内心想法的。本书向读者展示了画家对色彩的运用，详细介绍了不用类型的颜料，概述了绘画中主要的光学原理和艺术家关于色彩的经典论著。作者解释了画家选择的媒介剂，如油、水或鸡蛋对色彩的影响，以及新兴颜料的戏剧性冲击。从凡·艾克到修拉，英国国家美术馆收藏的绘画作品生动地说明了这一切。
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◎ 本书看点
▶ 色彩的魅力何止于此！没有色彩，凡高表示也无能为力。
对于色彩，仅仅再现眼睛所能看到的已经不够了，让凡·高来告诉你，他为何执着地想“通过红色和绿色来表现人们内心深处可怕的激情”。
▶ 一段颜料的进化历史，便是一段人眼和科技的进化史。
长期以来，材料都是画家表现画作最重要的载体，透过残损的古老画作，作者利用目前先进的科学技术，层层深入分析画作消失的本来色彩。正是画家们一次次探索颜料与媒介剂的使用方法，使画作的寿命一次次被延长，才有了我们今天的“眼福”。
▶ 都说画家的眼睛捕捉到常人看不见的色彩，是观看角度问题？凭空捏造？还是因为他们自带滤镜？通过莫奈的干草堆，我好像明白了。
这本书给我们麻木的“观看”习惯进行了一次彻底的洗礼，用眼睛观察和用心感受有了实质上的区别，就像我们很难理解德拉克罗瓦看到的影子为何是“鲜明的紫罗兰色”。
▶ 本书不仅赏析画作，“色彩”作为一门专门的学问在此讨论，论点全面，语言精炼，让我们一览大胆而前卫的画家们是如何一步步突破，最后达到对色彩的极致追求。
如宗教观念是如何影响绘画题材和对象的、地域和时代问题如何影响颜料开采的难易程度、干燥时间和周边环境是如何影响画作品质的，等等。
▶ 本书的插图质感细腻，从整体的褪色情况到局部的裂纹质感完美呈现，帮我们自带放大镜，还原博物馆级别的名画细节。
- 揭示色彩在绘画中的炼金术魔力与情感表达
- 详解颜料演变史及媒介剂对画作寿命的影响
- 结合光学原理与名画案例，重塑观者色彩感知
- 对西方美术史及绘画技法感兴趣的读者
- 希望提升色彩感知力与审美素养的艺术爱好者
- 关注颜料化学特性与材料科学的跨学科读者
- 建议结合书中提及的馆藏名画实物对照阅读
- 注意区分不同时代颜料特性对画面效果的影响
- 关注色彩理论从经验主义向科学光学的转变
- 内容精炼丰富，是入门色彩知识的优质通识书
- 图文对应讲解流畅，极大提升了观画体验
- 印刷质量偶有争议，但知识价值远超其缺陷
本导读基于书籍简介、目录、原文摘录、短评和书评生成，不等同于全文精读。
- "人类历史中有很多色彩丰盈、令人赞叹不已的艺术作品。它们的表现形式有很多，不仅包括绘画，还有壁画、壁毯、建筑中的彩绘装饰、彩色雕塑、珐琅，以及各种精美绝伦的手工艺品。在中世纪和文艺复兴时期，人们尤其喜欢用这些多彩的艺术品来装饰奢华的教堂和宫殿。然而随着时间的流逝，现在无论是在宗教还是非宗教的建筑中，我们都已经很少能够捕捉到这种艺术家对色彩的狂热，也无法重现当年的艺术巅峰。但是，通过对这些作品的重新审视和解读，也许我们仍然可以顺着其中的蛛丝马迹来揭秘几个世纪以来艺术作品中色彩的发展。当然，在漫长的岁月中，很多绘画作品都已经损毁、流失或者出于某种原因发生了改变，但我们依然可以通过现存的那些优秀作品看"
- "现代审美提倡不对艺术设立严格限制，人们更倾向于在绘画中追求充满自由的笔触。但对于从古至今的大多数画家而言，他们更习惯通过精心勾勒轮廓和填充色彩来寻求作品本身与外部世界的相以。在这一创作过程中，他们已经逐渐自成一派，擅长利用不同深浅的颜色来描绘物体的形状和纹理。以荷尔拜因的《大使们》（见图2）为例，画面上，让·德·丁特维尔（Jean de Dinteville）的红色绸缎衣袖极其逼真。画家细致地勾勒了袖子的轮廓，并在填色时使用了与真实面料颜色一致的暗红色，此外，画家还非常巧妙地结合了阴影、光影、高光和大面积的银灰色来表现这块充满质感的奢华光面布料。写实画的画家们一直致力于通过对光线、阴影、色调和"
- "纵观历史，我们不难发现，画家调色板上的色彩往往受到以下几个因素的影响：颜料是否可用，艺术或宗教中的惯用颜色，以及个人风格等。色彩，与题材、风格和构图一样，足以让我们辨别出某一幅作品的创作时期、地点，甚至其创作者。20世纪，艺术的抽象化运动兴起，在材料和题材的选择上出现了前所未有的自由，画家们才得以不受具象艺术对色彩的束缚。 虽然存在一定的地域差别，但总体来说，几个世纪以来，欧洲画家调色板上的色彩总是寥寥无几。威尼斯是一个特例，它作为染料、纺织品和玻璃制造业的贸易中心，在颜料进口领域拥有得天独厚的优势。正因为如此，威尼斯的绘画作品一直以明亮多彩的颜色而闻名（请参考第73页）。 在有限的颜色选择中"
- "跳出生理和心理的角度，色彩可能是画家表达情感最直接的方式。它是画家的情绪表达，或者是画家希望引起共鸣的情感的表现方式。色彩影响了我对绘画作品的直观感受，就像它在我门的日常生活的作用一样。或许，文森特·凡·高就通过他的作品清晰地向人们展现了他是如何利用颜色和形状来表达内心世界的混乱无序的。在完成《夜间咖啡馆》（The NightC，现收藏于耶鲁大学美术馆）的创作后，凡·高在给弟弟的信中写道：“我想通过红色和绿色来表现人们内心深处可怕的激情。咖啡馆内充斥着血红色和暗黄色，正中间放着一张绿色的台球桌，人们的头顶上吊着四盏橘黄色的灯，发出微弱的橙绿色的光。在整幅画中，随处可见红色和绿色强烈而生动的颜色"
- "在接下来的几章中，我们将介绍一些颜料的原材料，以及画家是如何将不同的颜料和媒介剂混合在起使用，有时甚至使用叠涂法，来达到特定的着色效果的。"
- "绘画材料包含两种基本元素：颜料和充当黏合剂的媒介剂。此外，画家还会在颜料中加人液体稀释剂，以增强颜料的流动性，便于上色。随着时间的流逝，颜料中的稀释剂逐渐挥发，黏合媒介剂通过自身的物理变化或者与其他物质的化学反应硬化成膜。水彩颜料和现代合成树脂颜料的干燥过程是简单的物理挥发，亚麻籽油、胡桃油以及罂粟油则因为与空气中的氧发生化学反应而使颜料变干变硬。14世纪和15世纪非常流行的蛋彩画，其干燥过程更加复杂。蛋彩画的颜料中混入了整颗鸡蛋或蛋黄部分，它同时包括前面提到的物理挥发和化学干燥两种过程。"
- "从19世纪开始，伴随着化学学科的发展，许多新兴颜料开始出现。而在此之前，真正适用于作画的颜料其实并不多。合适的颜料，除了对色调的强度和纯度有明显的要求，还应该尽量具备一定的化学稳定性。由于绘画作品可能暴露在各种各样的环境中，所以颜料应尽量保持不受光线、湿度、空气及其他一切潜在因素的影响。有时，一些颜料相互之间也会发生化学反应。但就颜料本身而言，还是应该保持一定的稳定性。 在艺术史上，各种各样的有色材料都曾被当作颜料使用。其中，大多数的有色材料直接来源于自然，它们中有的是有色矿旷物和泥土，有的是从植物和动物身上提取的天然物质，如染料和树脂等。在古代中国、古埃及、古希腊和古罗马，也曾经出现过一些人"
- "15世纪时，在意大利，油性材料代替鸡蛋成为绘画颜料首选的媒介剂。一个世纪后，木板又逐渐退出绘画的舞台，帆布成了主流的绘画基质材料。短短几个世纪，颜料媒介剂的发展和转变经历了一个非常复杂的过程。在15世纪末期，意大利的很多绘画作品都同时使用鸡蛋和油性材料作为颜料的黏合剂，有时，画家还会将颜料与一种名为油性坦培拉（tempera grassa）的媒介剂混合使用。19世纪以前，色彩和颜料的发展几乎是停滞不前的。到17世纪开始，画家从专业供应商（也被称为艺术家的颜料商）那里购买现成的颜料、画布等作画材料变得流行起来。19世纪，使用便捷的成品管状油画颜料开始在市场上出现，这也是具有可靠的着色强度和性能的"
