意义的边界

[美]查尔斯·罗森

出版时间

2018-12-01

ISBN

9787308182362

评分

★★★★★

标签

艺术

书籍介绍
翻开这本书之前,大多数人以为音乐鉴赏靠的是天赋或情感,罗森却执拗地追问:我们凭什么说'听懂'了一首曲子?全书三讲层层收紧,最终落点出人意料——音乐的意义不在乐谱之外,而在聆听者自身的反应里:当你不再感到不适,你才真正理解了它。这一论断初听近乎独断,细想却极具颠覆性:它把'欣赏'从被动的感官接受,提升为一种主动的、近乎创造的智力活动。罗森犀利地指出,阻碍我们理解新音乐的,从来不是陌生,而是熟悉传统的崩塌——期待落空时的那份失望,才是理解真正的门槛。这本书适合所有曾面对现代派或复杂作品感到挫败的听众:它不提供速成的欣赏技巧,而是逼你重新审视'听懂'二字背后究竟藏着怎样的文化惯性与历史偏见。
作者简介
查尔斯·罗森(Charles Rosen,1927—2012):美国钢琴家、音乐著述家和批评家。罗森出生于纽约的一个建筑师之家,自幼习琴,少年时拜著名钢琴家、李斯特的弟子莫里茨·罗森塔尔为师,师承李斯特谱系。在音乐家、钢琴家的身份之外,罗森出版有《古典风格》《自由与艺术 》《音乐与情感》《钢琴笔记》《浪漫派》等诸多作品。 【译者简介】罗逍然:古典学及音乐学青年学者,华盛顿大学古典学博士。通晓古希腊文、拉丁文,并掌握英、德、法、意文。音乐学方面译有《音乐与情感》与《意义的边界》。古典学方面,在我国首次将古希腊叙事诗《阿尔戈英雄纪》与叙事诗残篇《赫拉克勒斯之盾》翻译成中文并且进行了详尽的注疏,另译有古典学论集《柏拉图与赫西俄德》。此外还有多部古典学以及音乐学方面的著译、笺释待出。
AI导读
核心看点
  • 本书核心主张音乐的意义仅存在于音乐语言自身框架内,反对将外部文学、哲学或社会语境强加于音乐作品。罗森通过严谨论证,批判了牵强附会地给音乐符号赋予特定含义的做法,强调音乐拒绝被严格意义系统控制,其价值在于声音结构本身的逻辑与美感。
  • 作者深入剖析了历代学者在阐释音乐意义时常用方法的缺陷,指出机械式的动机分析与和声分析往往限制听众理解。书中提倡一种基于乐谱文本细读的正确聆听方式,旨在帮助读者明白自己已感知但未意识到的内容,而非用错误理论扭曲音乐本质。
  • 书中探讨了经典地位形成的复杂历史机制,揭示贝多芬等大师的崇高地位并非单纯由艺术成就决定,而是与当时社会精英阶层舆论及特定历史语境合谋的结果。同时,作者批判了现代主义艺术中因熟悉传统消失而导致的理解障碍,强调应回归音乐本体进行审美判断。
读者共识
  • 读者普遍认为本书观点极具启发性,澄清了许多关于音乐理解的迷思,特别是‘音乐意义即音乐本身’这一核心论点深得人心。许多读者表示,阅读后意识到过去对音乐过度解读的错误,开始尝试更纯粹地聆听音乐结构,不再执着于寻找不存在的‘深层含义’,审美观念得到显著提升。
  • 尽管思想深刻,但多数读者反映阅读体验较为吃力,存在翻译生硬、逻辑绕口的问题。部分读者指出书中论证方式类似文学研究中的文本细读,对零基础大众极不友好。然而,也有读者认为这种‘难读’是深入思考的必经之路,只要克服语言障碍,其哲学与史料价值极高,值得反复研读。
  • 读者一致认可罗森对机械式作品分析的批判,认为其指出了当前音乐教育及评论中的严重偏差。大家认同音乐不应被当作密码破译,而应作为艺术整体感知。尽管对书中部分历史论述存疑,但普遍赞赏作者敢于挑战权威、拒绝庸俗化解读的勇气,认为这是提升音乐鉴赏品位的重要读物。
精彩摘录
  • "毫无疑问,我们对世界以及人为创造的作品在感官上的欣赏是具有生理上的基础的,这种基础每一个人都有,但是当我们想要试着去评价一首巴赫的赋格或是一部陀思妥耶夫斯基的小说时,它却毫无用处——或者说,甚至我们对风景的简单感受,比如我们在看到一座山或是一处瀑布时所获得的愉悦,也取决于我们的文化传统。"
  • "p55 Tieck's view of Beethoven must have reflected a fairly common reaction to the music, and this popular view had almost certainly inspired the most cogent part of E.T.A. Hoffmann's essays, which had a profound influence on the foundation of music analysis: his description of the way not only a sin"
  • "在聆听音乐时获得愉悦是理解音乐的最明显的标志"
  • "一部作品或是一位作曲家的风格给人带来的陌生感或怪异感并不是阻滞人们理解音乐的障碍,真正的障碍其实在于熟悉的东西消失了;我们是在熟悉的音乐传统中成长起来的,这种传统使我们对音乐有着特定的期待与希望,当这些期待与希望得不到满足时,失望的感觉就会影响我们对音乐的理解。 利奥·斯坦伯格(Leo Steinberg)就曾经敏锐地指出,人们对20世纪初期现代主义绘画大师的抵触并不是由于他们在作品中画了什么,而是由于他们没画上去的东西。最初,抽象派的作品让我们震惊,原因是我们曾经相信,绘画必须表现自然;而当我们习惯了自然界中的形体的消失之后,我们就能够开始欣赏画作中形状之间的平衡以及高超的笔触技法了。后来,"
  • "如果说是贝多芬本人而不是后世决定了他是古典音乐传统的顶峰的观点并不完全准确,那么至少,说仅仅是后世决定给予贝多芬如此崇高的地位,而且这一决定是理性的、自觉的,也肯定是错误的一一实际情况可能恰恰相反。正确地说,恰好是当时的历史与贝多芬本人起成就了他那样的声望。来自社会精英阶层的舆论压力确保了贝多芬的声望,而他本人也与这个阶层合作,以保证自己能够获得极高的声望;也许“合作”并不能完全准确地描述这种策略,这一策略依仗的是精英阶层希望不断地违反常规与不断创作令人惊诧一一甚至到了他们自己都不再喜爱的程度一一的作品,在当时,激起大众的愤怒是艺术风格发展的一个公认的策略。"
目录
【目录】
“罗森作品集”丛书总序
探索音乐意义的本质——中译者序
前言
第一讲 无意义的边界

显示全部
用户评论
没看懂还要音乐文学素养
好爱他,但是很多曲式分析还是看不懂
“现实就已经是理论了,天空的蓝色向我们显示了光学中的色彩法则。只是不要往现象背后看,它们自身就是规则。” 歌德《威廉·迈斯特的漫游年代 Wilhelm Meisters Wanderjahre》
评论作品应独立于它所评论的作品本身而存在,评论家的独立性与艺术家的自由应是等同的。不同于其他艺术门类,音乐尤其拒绝被严格的意义系统所界定,音乐自身便是意义,而正是创造性的聆听和评论活动打破了原有意义系统固有的边界,拯救音乐于所谓通过分析诠释符号获取背后本质的灾难,在不明确或无意义的音乐本身之中,新的意义产生了。
先听,再看。①音乐的意义在无意义和不明确的意义中间徘徊。②在音乐本身中理解音乐,可能是强调自在之听的意思。③如何理解音乐:听着舒服,不难受,习惯之中。④听不懂的障碍在于音乐中没有自己熟悉的东西。
全书快结尾了才比较有知识的厚度…
(阅读于北京至洛阳的火车上)醍醐灌顶的阅读体验,感叹五线谱的伟大发明,从音乐初学者的识谱到真正阅读懂谱子是0到1的质变,而我现在仅仅是个初学者。作者通过分析每个音符就能把握音乐的意义和音符之间的逻辑与美感。我以分析电影的方式试着理解作者的见解,阅读琴谱也能利用符号学的理论,在音符中理解其能指与所指的含义。什么是音乐的意义,这是个问题。
太精彩了!太过瘾了!!读着非常非常流畅,论证方式非常非常熟悉——嚯,是拿着文学博士学位的钢琴家音乐学家😂所以对我来说这种与文学研究中的textual & contextual analysis相似的方法论是非常有说服力的,只不过这次的close reading是读乐谱(说实话,如果作为零基础大众读物来说并不太友好,起码要有基本的读谱+乐理知识),一边读谱(甚至拿出家里的乐谱loll)一边听唱片一边读太过瘾了。希望这样的音乐论著多一些,我们现在的问题,一来因为音乐的抽象性质,乐评大多流于情绪表达和自由联想(几乎是一种文学化书写);二来,理论和实践存在一定脱节,演奏家不一定能讲得好艺术理论,音乐学家不一定有演奏实践,但Rosen的特殊性很好地弥补了中间的gap。
挺逗
很多观点都很有意思,行文风格我很喜欢。 印象比较深观点的就是“音乐总是在意义与不明确边缘徘徊的”“最有说服力的音乐分析所解说的并不是晦涩不明的内容,而只是人所皆知的东西。”第三节里面对“传记式批评”的批评很有意思哈哈哈。
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