![美术学院的历史 - [英]尼古拉斯·佩夫斯纳](https://static.book345.com/covers/s/9787100117234.jpg)
书籍介绍
《美术学院的历史》向读者展示了从文艺复兴至20世纪上半叶欧洲美术学院发展的历史画卷。
本书开篇将academy这一术语的起源追溯到古希腊时期柏拉图学园的哲学传统，并介绍了在美术学院诞生之前这一古典传统在意大利文艺复兴时期复活并得到蓬勃发展的大背景。在接下来的篇章中，作者以大量的史实和生动的叙述，从佛罗伦萨美术学院，到法国皇家美术学院，再到巴黎美术学院和国立包豪斯学校，一步步引领读者领略了美术学院兴起与发展的图景。
佩氏以讲述四百年欧洲各地美术学院的性质、目标、组织法与教学法的演进为主线，讨论了艺术家的社会地位、美术学院与行会的关系、艺术家与公众及政府的关系、艺术创作与艺术市场的关系等重要话题，其中不乏鲜为人知的史料与趣闻。
作者将美术教育这一主题置于欧洲广阔的社会政治与经济背景下进行考察，他就艺术教育所提出的问题是超时代的，至今依然具有启示意义，同时也使得本书成为从社会学角度（趣味史、艺术品交易史、展览史、收藏史）研究美术史的一个早期范例。
尼古拉斯·佩夫斯纳（Nikolaus Pevsner, 1902-1983），德裔英国美术史家，剑桥大学斯莱德讲座教授（1949-1955），伦敦大学伯克贝克学院教授（1959-1969）。佩氏学术视野开阔，著作宏富，其研究在建筑史与现代设计史领域具有开创性的意义，并且善于将严谨的学术研究化为雅俗共赏的形式引入大众的视野。他从1942年开始策划出版的“鹈鹕艺术史丛书”是20世纪规模最大、学术成就最高的英文艺术史丛书；编撰的46卷本《英国建筑》（1951-1974）被誉为20世纪最伟大的美术史杰作之一。其主要著作还包括《现代设计的先行者》（1936）、《美术学院的历史》（1940）、《欧洲建筑史纲》（1942）、《英国艺术的英国品性》（1956）、《建筑与设计研究》（1968）、《建筑类型史》（1976）等。由于他杰出的学术贡献，英国皇家建筑研究院于1...
AI导读
核心看点
- 本书系统梳理了从文艺复兴至20世纪上半叶欧洲美术学院的发展史，深入探讨艺术教育与政治、经济、社会制度的复杂关联。作者以社会学视角，揭示学院如何成为国家意志与艺术规范的工具，以及艺术家在体制内寻求自由与保障的艰难历程，为理解现代艺术体制的起源提供了关键历史背景。
- 书中详细剖析了艺术家社会地位的演变，从手工艺人到独立创作者，再到受国家管控的职员。通过对比意大利、法国、德国等地的不同发展路径，展示了艺术理论、审美趣味与官方意识形态的博弈。读者可从中看到艺术如何被纳入重商主义与国家建设，以及这种制度化对艺术创作自由的深远影响。
- 作者批判性地审视了学院教育的弊端，指出其导致艺术与传统技艺的割裂，以及艺术市场与公众审美的异化。书中对工艺美术运动的辩护及对现代艺术疏离大众的反思，具有超越时代的警示意义。尽管部分观点带有黑格尔主义色彩，但其对资料严谨的考证和对艺术体制批判的深刻洞察，使其成为艺术史研究的重要文献。
适合谁读
- 艺术史、美术教育及文化研究领域的学者与学生，需要深入了解西方艺术体制演变、学院派历史及其对当代艺术生态影响的读者。本书提供了从社会学角度研究艺术史的早期范例，有助于理解艺术与社会权力结构的互动关系，是相关专业研究不可或缺的参考书目。
- 对欧洲历史、政治与艺术交叉领域感兴趣的普通读者，特别是希望理解为何现代艺术会走向精英化、为何艺术家与公众之间存在隔阂的人群。书中关于艺术家与行会、政府、市场关系的讨论，能揭示当前艺术界诸多现象的历史根源，满足读者对艺术背后社会机制的好奇心。
- 从事建筑设计、工艺美术或相关创意产业的专业人士，以及关注教育体制与社会规范关系的思考者。书中关于包豪斯、工艺美术运动及艺术教育伦理的讨论，对于反思当前教育模式、技术伦理及艺术的社会责任具有启发意义，有助于构建更健康的职业价值观。
读前提醒
- 本书史料极其详实，涉及大量历史人物、机构名称及政治背景，阅读时建议结合欧洲历史年表，理清各国政治体制变迁对艺术政策的影响。作者行文严谨但部分章节略显枯燥，建议不要纠结于细枝末节的史料堆砌，而应关注作者对艺术体制演变的宏观分析与批判性观点。
- 读者需警惕书中部分带有时代局限性的观点，如强烈的黑格尔主义历史观及民族主义论断。建议在阅读时保持批判性思维，对比其他艺术史著作（如贡布里希）的观点，以形成更全面的历史认知。同时，注意区分作者对历史事实的客观陈述与其个人的价值判断，避免全盘接受其结论。
- 本书翻译质量较高，但部分专业术语及历史背景可能需要额外查证。建议读者在阅读过程中，对不熟悉的艺术流派、历史事件进行补充了解，以免因知识盲区影响对作者论证逻辑的理解。此外，可重点关注书中关于艺术家反抗体制、追求自由的案例，这些内容更具现实共鸣与启发性。
读者共识
- 读者普遍认为本书史料详实、论证严谨，是研究西方艺术体制史的重要文献。尽管部分读者批评其行文枯燥、观点陈旧或带有民族主义偏见，但多数读者认可其在揭示艺术与政治、经济关系方面的独特价值。书中对艺术教育异化、艺术家地位变迁的分析，被认为具有深刻的洞察力，对理解当代艺术困境仍有重要启示。
- 许多读者指出，本书并非简单的线性历史叙述，而是通过学院这一视角，深刻揭示了艺术、理论、艺术家地位与社会结构之间的复杂关联。读者赞赏作者对历史脉络的清晰梳理，认为其有助于理解现代艺术为何疏离大众，以及工艺美术运动的历史合理性。尽管结论可能显得简单，但其研究思路被视为具有远见，值得深入研读。
- 部分读者对书中关于政府干预艺术、艺术商业化及民族主义内容的论述表示反感，认为其价值观已过时。然而，更多读者认为，正是这些争议性内容反映了历史的真实复杂性，有助于反思当前艺术界面临的类似问题。总体而言，读者认为本书虽非轻松读物，但其学术价值与思想深度不容置疑，是理解艺术史不可或缺的经典之作。
本导读基于书籍简介、目录、原文摘录、短评和书评生成，不等同于全文精读。
精彩摘录
- "第二章从莱奥纳尔多・达・芬奇到圣路加美术学院（16世纪） 35 显然，这种教育体系的主旨总体上与菜奥纳尔多的理论体系相同。艺术要与手工艺相脱离，画家要学习的知识多于技能。现在这种关于艺术家的新概念必然带来了关于公众的新概念。在中世纪的艺术供求体系中，鉴赏家是不可能存在的，艺术家遵照赞助人的要求行事，无论他是王侯还是市民。然而，菜奥纳尔多教学法是要鉴赏家眼着艺术家的直觉走，并要学习鉴赏新风格之审美价值所必备的辦别力。当米开朗琪罗由于将洛伦佐・德・美第奇与朱利亚诺・德・美第奇雕刻得与真人完全两样而遭人责备时，他的回答是，千年之后无论如何也不会知道他们长什么样。在这里，我们看到的是这位伟大艺术家对公"
- "米开朗琪罗常说他要收年轻的贵族为徒，而不收平民。因为绘画对他来说，就像对莱奥纳尔多一样，不是手工技能，而是精神表达，恰如诗歌。在他的书信中有一句话，“si dipinge col cervelloe non colla mano”[“画画用脑，而非用手”]。强调这一点是重要的，因为根据我们从当时看他拿着凿子工作的同时代人所了解到的所有情况来看，这位极易狂怒的工匠在工作时，全然不图舒适，在困难面前从不退缩。"
- "柯尔贝尔的这项计划具有重大的历史意义，明确表明了他对艺术以及国民经济的看法。一方面他迫切想让法国工匠能够在本国生产出威尼斯玻璃器皿、威尼斯花边制品、英国布料、德国青铜制品以供国人消费，使国外都市全都丧失其诱惑力，同时还要通过罗马留学生的工作让巴黎人能够拥有古罗马与文艺复兴的艺术。对柯尔贝尔以及他的顾问们来说，原作与复制品没有区别，他们也不在意那种不可取代的意大利氛围。这显然是艺术外行的看法但不只是政客们这么看，勒布伦可能在很大程度上也是这么看的。这也再一次证明了这样一个不可否认的事实，即对学院会员来说，一件艺术作品从本质上来说并非是一个整体，而是姿势、解剖、构图等的总和。年轻一代则不这么看。对"
- "当前这一代人的艺术不可能有任何改善，直至所有阶层、艺术家、制造商与公众得到更好的艺术教育，更普遍地认识到存在着一般性基本原理为止……假如我们去问设计了那些桂在墙上的令人伤感的作品的艺术家，他们为何选取那种特定的形式来满足其想象力，他们无疑会告诉我们，这些只是制造商会买的设计风格，他们只是照吩咐行事。假如我们去问制造商，他们为何投入如此巨大的资金、技能和劳力去生产如此没有价值的物品，他们无疑会告诉我们，它们只不过是一些能卖得出去的商品，而生产具有较高品位的东西则是劳而无功的，因为它们肯定会留在货架上卖不出去。假如我们再去问大众，他们怎么会去买如此低劣的产品，允许它们进入他们的房间，败坏他们自己的"
- "甚至他的社会主义也是其深刻的浪漫主义的结果，与卡尔・马克思的唯物主义没有什么共同性，因为莫里斯的理想是中世纪的共同体国家。莫里斯认为，单单是这种制度及其行会与同业公会，就确保艺术具有健全的社会地位，其结果是确保了美。社会条件与美的相互作用是莫里斯最重要的发现。因为在中世纪每一件物品都是“由这个人为那个人”制作的，“对制作者与使用者都是件快乐的事情”；还因为“最优秀的艺术家依然是工匠，而最卑微的工匠也是名艺木家”ー一这就产生了美，在中世纪这使得任何器物或装饰都显得富有生气。一且艺术与工艺的统一性丧失了，美必然消失，19世纪工业的发展证明了他观点的正确性。由于采用机器生产一一莫里斯曾经指出一一“作"
- "学院是时代哲学精神的一种适当的表现"
- "我们从总体上勾画出学院谱系的轮廓：从意大利文艺复兴时期以人文主义者民间聚会形式的第一次出现，到手法主义时期最早的学院规章和财政制度，再到柯尔贝有关服务于专制主义的学院体系的伟大观念，直至这一观念在整个欧洲的传播。"
- "然而，相信莱奥纳尔多学院的存在，并不意味着相信其中的任何事情。据我们所了解的文艺复兴时期所有学院的情况来看，它最有可能只是一个业余爱好者的非正式聚会，像那不勒斯的篷塔尼亚纳学院[Pontaniana]。正如那不勒斯这所学院是以其最负盛名的会员篷塔尼亚纳来命名，莱奥纳尔多若不是这个米兰社团的创建者，便是它的发起者。"
作者简介
尼古拉斯·佩夫斯纳（Nikolaus Pevsner, 1902-1983），德裔英国美术史家，剑桥大学斯莱德讲座教授（1949-1955），伦敦大学伯克贝克学院教授（1959-1969）。佩氏学术视野开阔，著作宏富，其研究在建筑史与现代设计史领域具有开创性的意义，并且善于将严谨的学术研究化为雅俗共赏的形式引入大众的视野。他从1942年开始策划出版的“鹈鹕艺术史丛书”是20世纪规模最大、学术成就最高的英文艺术史丛书；编撰的46卷本《英国建筑》（1951-1974）被誉为20世纪最伟大的美术史杰作之一。其主要著作还包括《现代设计的先行者》（1936）、《美术学院的历史》（1940）、《欧洲建筑史纲》（1942）、《英国艺术的英国品性》（1956）、《建筑与设计研究》（1968）、《建筑类型史》（1976）等。由于他杰出的学术贡献，英国皇家建筑研究院于1967年授予他金质奖章；两年之后他又被英国皇家授予爵士封号。
陈平，1954年出生，江苏南京人。现为上海大学美术学院教授、博士生导师；受聘为四川美术学院客座教授、中国美术家协会美术理论委员会委员。曾任中国美术学院出版社副总编辑、上海大学美术学院史论系主任（2005-2014）。著有《李格尔与艺术科学》、《外国建筑史》和《西方美术史学史》；译有李格尔的《罗马晚期的工艺美术》、德沃夏克的《作为精神史的美术史》、维特鲁威的《建筑十书》等十余部；主编有“美术史里程碑丛书”。
目录
001 插图目录
001 前言
001 第一章导论
“academy”一词在古希腊/在意大利文艺复兴时期/在北方文艺复兴时期/16、17世纪这个词的含义在意大利
的变化；美术学院的新任务与新的组织机构/第一批文学院（秕糠学会、埃德蒙博尔顿的计划、法兰西学院、
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用户评论
艺术的“自由度”确实极难把握，回顾四个世纪以来艺术学院的起起落落，很多争议也都是起源于这个“度”。作者最后没有给出解决方案（当然这并不是作者写作本书的目的），这个问题至今依然存在，还需要进行探究和讨论（我个人倾向于认为这个问题不大可能被彻底解决）
主题非常有趣，涉及的领域也多，就是文章本身写得流水账
民族时代精神数次出现，政治体制和精神动因几乎成了所有事件的构成根本，佩夫斯纳的观点里透露出强烈的黑格尔主义。正如他自己所言，在几个世纪纷繁的学院活动里整理出一条脉络并不容易，美术学院只是学院体制的小分支，因此尽管材料繁多且细碎，但都是必要提及的。全文最重要的问题可以概括成两对对抗性力量、一个诉求和一个疑难——对抗力量是艺术家的从属与自由（从行会到美术学院再到宫廷）、保护人的几次倾覆与主顾的稳定需求（宗教、贵胄、资产阶级群体），诉求是寻找艺术家在社会中真正的位置，而疑难正是艺术家追求精神自由的不稳定性与社会体系诉诸服从可控的稳定性的和解之道。
先前听了太多关于Academy 的语义词源解释，前两章读了没有太大感觉。第三章以后线索逐渐明晰强烈，或许因为文艺复兴之后才真正有所谓教育意义上的学院出现，才更能确切地感受到艺术风格和社会各方面体制的关联。学院的“反抗”“斗争”性这条线一直串到包豪斯，美术学院就像个激越青年，斗天斗地斗自己，最终还神奇地能和自己和解😂（好多书后悔没有早读，很多纠缠的问题，一个晚上读一章大师的文章就通透了）
一个很好的文献补充，从学院的角度窥见艺术体制的发展。不是对学院进行传统的历史线性叙事，而是以学院为中心，描写了艺术，艺术理论，艺术家地位的发展以及它们之间的关联。
在如今这个时代下阅读到佩夫斯纳这样如此纯粹的黑格尔主义竟也令人如此清新。读到佩氏在讲到威廉莫里斯和工艺美术运动时候的激情，瞬间又勾起了大一在设计学院的回忆
民族主义的某些论断duck不必
比较详实的记录了，美术学院从诞生以来的发展历程。但是单纯数据罗列的计史方式实在不是什么优秀的记录方法。
好看。尤其是对欧洲艺术发展脉络有点了解的前提下看，历史图景更开阔。乐趣double。补充一句，这个系列读了两本，感受到译者的文笔实力很棒。
“现在美术学院被说成手淫和停尸房，而在科赫和希克写作的时候被说成是成堆驱虫和僵尸……美术学院已经存在了150年，骂声从未停息过。”这形容得太精辟。看美术学院在不同时期遭到的各种理由的控诉与谩骂——有的甚至源于其伊始成立时的目的，我承认我有爽到。
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