影视表演实用手册，手把手教你闯荡片场
打破基于舞台的传统训练模式
快速奏效的诀窍，让镜前表演更有的放矢！
新人演员进组必备的一流教材
职业演员刷新认知的一本好书
历经多次修订，被译为西、意、韩等多国语言
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※编辑推荐※
如果你有舞台表演的背景，你需要学会如何在镜头前工作。在这两种媒介中，好表演的基础都是“聆听”，但银幕对演员另有一番要求，你需要做出有创造性的调整，才能奉献最好的表演。这本书会详细解释其中的一切。
——托尼·巴尔
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《如何在镜头前表演》一书从厘清舞台上和镜头前的异同开始，引领表演学习者带着正确的判断进入影视表演的独特领域。作者托尼·巴尔将自己从舞台到银幕，从演员到制片人、表演教师的四十余年创作及授课经验总结提炼，形成了一套简单而快速奏效的影视表演技巧，并通过42个配套练习帮助演员适应镜前表演的技术需求。本书自1986年问世以来历经多次修订，已被译为西、意、韩等国语言。对于每一位闯荡片场的新人来说，它都是一本必备的实用手册，会“手把手”教你成为一名职业演员。
◎不要带着这种心理去试镜：“如果他们不能透过我的衣服看到我的才华，让他们去死吧！”穿对衣服是为了让选角团队一眼认定你看上去像那个角色，这样他们会把全部注意力放在考察你的表演和个人素质上。
◎要全神贯注地听导演说话，寻找他所追求的完整含义，不要让他不得不打断你的表演，三番五次甚至十几次对你提出同样的要求——最后他可能会绝望地放弃并喃喃自语：“以后再也不要用这个演员。”
◎不要为了“丰富”表演而添加并不属于某个时刻的元素。也就是说，你不可能靠一场戏或者一个片段就赢得奥斯卡金像奖，所以别费心了。保持简单，演出关键点，剩下的自会水到渠成。
◎我们在任何明星身上都会发现一种特质，那就是威信。你在表演时无论做什么，都必须坚决果断地去做，动作也要简洁明了。这些特质会形成某种威信，有威信的演员才会吸引观众的注意力。
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※媒体推荐※
适合表演学习者的一流教材，刷新职业演员认知的一本好书。
——《洛杉矶时报》
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※名人推荐※
本书生动地讲解了如何让表演变得简单。
——爱德华·阿斯纳，美国演员工会前主席
曾七获艾美奖，代表作《路·格兰特》《飞屋环游记》
这本书清晰易懂，信息量巨大，读来有如小说。它让我受益匪浅。当了半辈子演员，我以为自己吃透了，没想到有一天又开始在表演中积极尝试新东西了。
——卡尔·莫尔登，奥斯卡最佳男配角
代表作《欲望号街车》《码头风云》《巴顿将军》
这是最实用、最好理解的表演书之一。托尼·巴尔非常清楚演员的基本需求，他的方法能够引起演员的共鸣。
——伊娃·玛丽·森特，奥斯卡最佳女配角
代表作《码头风云》《西北偏北》
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※内容简介※
《如何在镜头前表演》是一本经典的影视表演教材，根据作者从舞台到银幕，从演员到制片人、表演教师的四十余年创作及授课经验总结而成。从镜头的私密性出发，本书有针对性地提出了快速奏效的表演技巧，辅以42个必须拍摄下来的练习，通过对比分析不同表演方式的效果，帮助演员熟悉并适应影视拍摄特定的技术需求。此外，作者还分享了表演风格的发展变化、电影和电视的拍摄机制、演员如何开始职业生涯等实用知识，从试镜、准备角色到片场拍摄、与导演合作，每一步都提供了精确、细致的指导。
本书自1986年问世以来历经多次修订，已被译为西、意、韩等国语言，并被《洛杉矶时报》誉为“适合表演学习者的一流教材，刷新职业演员认知的一本好书”。
托尼·巴尔（Tony Barr，1921—2002），演员、制片人、表演教师，美国演员工会、导演工会成员。早年在百老汇从事表演和舞台监督工作，后在好莱坞出演了大量影视剧。20世纪50年代进入哥伦比亚广播公司担任制片人，代表作有电视剧《高潮！》（Climax！）、《90分钟剧场》（Playhouse 90）等。之后，在美国广播公司工作13年，任至节目执行副总裁，又重返哥伦比亚广播公司，任节目执行副总裁至退休。1960年在洛杉矶创办了电影演员工作坊，打破基于舞台的传统训练模式，率先将摄影机引入了演员的培训。
刘亚，美国威斯康辛州劳伦斯大学学士、哥伦比亚大学硕士。曾担任果壳网和《自然》杂志中英文稿件译者，译著有《表演训练手册》（合译）。
- 打破舞台传统，专为镜头前表演设计的实用手册
- 强调聆听与反应，通过42个练习快速适应片场
- 作者四十余年经验总结，从演员到制片人的视角
- 初入影视行业、急需掌握镜前技巧的新人演员
- 有舞台背景，需转型适应镜头语言的表演者
- 对影视表演机制、片场工作感兴趣的学生
- 重点阅读配套练习，将理论转化为肌肉记忆
- 理解“刺激-反应”逻辑，避免过度设计表演
- 关注镜头机械特性，学会在特写中控制微表情
- 干货满满，无废话，对提升表演意识极有帮助
- 实用性强，被多位演员视为进组必备的指导手册
- 颠覆传统认知，强调真实反应而非刻意表演
本导读基于书籍简介、目录、原文摘录、短评和书评生成，不等同于全文精读。
- "所以，演员不仅要表演，而且必须与观众交流。于是，表演的完整定义变为：表演，是在虚构的情景中用富有想象力和不断变化发展的方式对刺激做出反应，而且这种方式要在风格上忠实于时代和地点，为的是向观众传达思想和感情。"
- "好演员是如何造就的？对此显然没有统一的答案。而我认为好演员的标准是： ▶能清晰地向观众表达剧情 ▶能充分地吸引观众的注意力，让他们想要继续看下去 ▶能打动观众（这或许是最重要的一点）"
- "如果你想让观众相信你的表演，你自己首先要做到。要对自己演的角色有信心。你必须为角色所做的事和所说的话找到正当的理由，必须是你能够接受的正确、合理的理由。所以，表演的原则是接受并喜欢你的角色，只有这样，角色才可能令人信服和有立体感。"
- "准备工作就是这样：为了准备而准备，不是为了表演而准备。你必须把所做的准备全部消化，让它把你塑造成你要演的那个人，然后训练自己在开始演戏时把准备时的思路放到一边，投入全部注意力去聆听。如果准备工作做得到位，你自然会对戏里的刺激做出恰当的反应。换句话说，你可以从重塑的自我出发，而不用试图去成为另一个人，即“人物”。因为这一切就发生在重塑后的你身上。"
- "在剧本上做标记 关于在剧本上做标记，有一个简单又绝妙的方法可以神奇地帮你进行准备工作。通常情况下，演员拿到剧本后会把自己的台词标出来。错！要研究对手的台词和动作，从中找到触发你的下一个反应的刺激，然后把它们标出来。接下来，研究你对刺激做出的反应，弄清这些反应与促成反应的刺激之间的关系。如此一来，你会在一种条件反射的模式中了解自己的角色，就像“巴甫洛夫的狗”一样：你“听到”一个刺激，它会影响你，然后你会开始“流口水”。你的下一句台词就在这里！从此再也不怕会忘词了！"
- "我们不是在用话语表达。我们是在用思想表达。话语只是我们用来表达思想的工具。所以不要在意话语本身。如果你是在表达自己的思想，它们会自然地组织成话语。那些需要重读的台词之所以会被重读，也是因为如果不重读你就无法传达出自己的思想。 我总是叫学生们“把台词扔掉”。相信我，你不会失去它们的。它们是你用来传达思想的工具，在你需要时自然会出现。不要念台词，要表达观点！如此，对话的节奏才会更好，你的整个表演也才会表达得更清晰。不过，以上所说并不意味着你不需要熟记台词并按照剧本把它们说出来。这还是必需的。只是一旦你把话语变成了自己的思想，它们在戏里的那一刻就会变成完美的台词。如果你对剧本中的对话有很大顾虑，可以"
- "需求经常是由感觉或情感状态决定的。例如，某场戏设定的天气很冷，你要演的不是感觉冷，而是怎么暖和起来。要和刺激反着来，因为努力克服不适或障碍的过程会让某个时刻真实可信。你演的不是头疼的状态，而是怎么缓解疼痛。你演的不是哭泣的状态，而是怎么忍住眼泪。首先必须创造一个真实的情感或者感觉上的问题，然后去做克服这种状态所必须做的事。 需求也可能受到对手的影响。你在某个既定时刻计划好的需求可能会因为对手的反应而变得不成立。所以要记得对身边的所有人和事保持开放和敏感的接受态度。"
- "真正有想象力且直觉很准的演员都知道，一个刺激可能引起的反应有许多种，而且他已经有意识地或通过后天培养的直觉学会了如何进行选择。 我要稍稍跑题谈一下直觉。长久以来有一个理论为人所公认，即学习表演可能会毁掉天赋，演员应当依靠自己的直觉。常见的说法是：“要么有天赋，要么没有。”“演员是天生的，不是后天培养的。” 直觉是值得拥有的奇妙玩意儿，但它也十分变幻莫测，因为迟早你会发现当你寻求它的帮助时，它却不知所踪。那时，你最好有一些专业知识和技艺储备能帮你渡过眼前的难关一在直觉失灵的时候帮你完成表演。 再有，演员的直觉并不一定是与生俱来的。当表演的过程实际上是条件反射时，我们经常会用到“直觉”这个术语。在"
