![看名画的眼睛Ⅱ - [日]高阶秀尔](https://static.book345.com/covers/s/9787513346863.jpg)
书籍介绍
这本书最耐人寻味的地方，在于它回答了一个许多人都默默有过的问题：为什么印象派之后的现代画，反而比古典名作更容易看懂？作者把从塞尚到康定斯基的一长串名字，重新编排成一个「魔术师」的谱系——他们各自掌握了不同的「魔法」：莫奈收服阳光，修拉用数学般的冷静点彩，毕加索把世界揉碎重组，康定斯基则让颜色自己唱起音乐。它不教你背诵流派年代，而是领着你一次次亲历「画原来可以这样画」的顿悟时刻。有意思的是，不少读者坦言读完仍「欣赏不来」这些画，却也因此看清了自己审美偏好的边界。正因如此，它特别适合那些承认自己「看不懂现代艺术」、又不愿就此放弃的普通人——它给的是一碟开胃的点心，而非一桌必须吃完的宴席。
作者简介
[作者] 高阶秀尔
日本西方美术史论名家，东京大学名誉教授。
1932年生于东京，曾任日本国立西洋美术馆馆长，现任大原美术馆馆长。2000年获得日本政府颁发的紫绶褒章，2012年日本文化厅授予他文化勋章，以表彰他对于文化发展所作的卓越贡献。出版有《名画的诞生》《名画中的小奥秘》《名画中的女人》《西方艺术与古希腊罗马神话》《看名画的眼睛》《看日本美术的眼睛》等著作和译作近百部。
主要获得奖项：
・1971年 艺术选奖文部大臣赏
・1981年 法国艺术及文学骑士勋章
・1989年 法国艺术及文学军官勋章
・1996年 法国艺术及文学司令勋章
・2000年 紫绶褒章
・2001年 法国荣誉军团勋章
・2002年 日本艺术院赏・恩赐赏
・2003年 意大利grande ufficiale功劳勋章
[译者] 范钟鸣
范钟鸣， 1984年毕业于上海师范大学艺术系，1986年赴日，1989年受美国亚洲文化协会邀请赴美从事艺术创作交流。现为职业艺术家、艺术评论家。译著有《日本美术尚未诞生》《看名画的眼睛》等作品。
AI导读
编辑书评
- 本书的真正价值在于它提供了一种“温和的激进主义”艺术史观。它没有强行灌输现代艺术的合法性，而是通过细腻的文本引导，让读者目睹艺术如何一步步从“模仿自然”走向“创造自然”。其局限性在于受限于篇幅与受众定位，对某些流派的社会政治背景挖掘较浅，容易让读者误以为艺术演变仅是形式游戏。然而，相较于同类通识书，它的独特之处在于“共情式解读”——作者始终站在东方观众的立场，拆解西方文化的陌生感。对于想摆脱“看图说话”尴尬、建立独立审美判断力的读者，这是一本值得精读的工具书，尤其适合在周末午后配着咖啡，逐幅对照名画细品。
- 作为新星出版社“大家小书”系列的佳作，本书在装帧与内容的平衡上做得出色，但在深度上有所妥协。它更像是一张精心绘制的“导览地图”，而非一本详尽的“地质勘探报告”。优点是路径清晰、地标明确，能让初学者快速建立坐标系；缺点是对于想要深入探究某一流派内部矛盾或具体技法演变的进阶读者而言，信息密度不足。值不值得读？绝对值得，尤其是作为第一本接触现代艺术的书籍。它不承诺让你立刻爱上抽象画，但承诺让你不再因看不懂而感到羞愧。建议在读完本书后，结合具体的展览图录进行二次深化，方能真正内化为个人的艺术素养。
核心看点
- 本书以14幅印象派至现代主义代表作（如莫奈、塞尚、毕加索等）为锚点，构建了一条从“再现外部世界”到“表现内在精神”的清晰演进脉络。作者高阶秀尔并未孤立赏析画作，而是将技法革新（如色彩分割、平面化构图）与画家生平、时代背景深度交织，揭示出艺术史并非杂乱无章的风格堆砌，而是一场关于“如何观看”与“如何表达”的逻辑接力，帮助读者理解抽象艺术诞生的必然性。
- 针对东方观众常有的“看不懂现代艺术”之痛点，本书提供了独特的文化转译视角。作者作为前日本国立西洋美术馆馆长，深谙非西方语境下的审美隔阂，故而在解读中刻意避开晦涩术语，转而强调感官体验与情感共鸣。例如通过康定斯基的“内在感动”理论，将视觉艺术类比为音乐传达，降低了抽象艺术的认知门槛，使读者能从直觉层面进入作品内核，而非仅停留在形式分析。
- 书中不仅关注画面本身，更着重剖析艺术家对传统规则的颠覆过程。从修拉的科学计算式点彩，到马蒂斯对透视空间的彻底抛弃，再到蒙德里安用几何线条重构秩序，每一章都精准捕捉了该流派的核心哲学冲突。这种写法让读者意识到，现代艺术的“离谱”实则是为了追求更本质的真实——即剥离表象后，对光影、结构或心理状态的纯粹探索，从而建立起欣赏非写实作品的理性框架。
读者共识
- 普遍认可其“通俗而不庸俗”的入门价值。多数读者评价语言流畅、娓娓道来，像朋友聊天般亲切，有效消除了对高深艺术理论的恐惧感。相比傅雷等前辈激情洋溢的风格，高阶秀尔的儒雅叙述更受当代大众喜爱，被认为能让人“不知不觉懂得欣赏”，是极佳的美育启蒙读物。
- 存在明显的审美偏好分歧：对印象派及早期现代派（如莫奈、雷诺阿、梵高）接受度高，但对后期抽象艺术（如康定斯基、蒙德里安）仍有较大理解障碍。部分读者坦言“依然欣赏不来”或觉得“简单通俗但不够深入”，反映出普通观众在面对高度观念化的艺术时，仅靠文本引导仍难以完全跨越感性认知的鸿沟。
- 肯定其选品的代表性与结构的完整性。读者普遍认为选取的14位画家及其代表作极具典型性，串联起了一部微缩的现代艺术变革史。尽管有批评指出印刷效果略逊于原版画册，且个别章节篇幅较短，但整体被视为上下两册构成完整世界绘画史拼图的重要一环，具有较高的收藏与反复阅读价值。
精彩摘录
- "塞尚经常教导青年画家要去发掘自然，他说“所谓真实地描绘自然，绝不意味着原原本本地再现它，而是要把自己的感受表达出来。”塞尚在这里指的“感受”，就是通过视觉而发生的精神认识作用"
- "康定斯基认为，艺术作品是由内在要素和外在要素两个要素构成的。内在要素就是艺术家灵魂深处的感动，艺术家通过感觉把这种感动在作品上造型化。欣赏者则相反，他们凭感觉来感受艺术家造型化了的作品，通过对作品的感受，在自己的灵魂中寻找到和艺术家同样的感动。如果同时没有这两方面的感动，艺术就不能成立。在这点上，美术和音乐是一样的，它们都是一种“传达”的过程。"
目录
用户评论
框架还是挺好的，用的画像素也还不错，虽然没有用铜版纸，但是油画印刷的还挺清晰，列举的人和画都还挺有代表的。总结，从文艺复兴开始，逐渐离谱的绘画史。
绘画让人忧伤，甚至痛苦、颓废，一个故去的瞬间永远不会返归，一具坚实的肉体不知何时消融于晨露之间，高更的画中人。绘画不止需要一双眼睛，也不止一点思想理论，前者浮光掠影，后者无非智力游戏，还有一点精神、情绪，或未可名之物。批评理论无聊而已。所以莫奈的画只是尔尔，另一种尔尔是理论画。外相的风格，内相的风姿，例如卢梭。个人即是自然。颜色即是大宇宙与小宇宙的中介。蓝与红与死气，如今泛滥着大言不惭的自杀谈论。自杀之事属于神。
在西西弗读完的，为什么我最近看的书都是日本人写的，看完Ⅱ才发现Ⅰ就在对面书架上，虽然读过了但是值得购买再阅读，慢慢了解西方艺术史的发展，个人比较中意雷诺阿，高更，卢梭，修拉，马蒂斯等的风格，喜欢古典宗教绘画也喜欢天马行空的色彩和幻想，对印象派和后现代的抽象主义不感冒。
起初我感到奇怪，为什么美术作品似乎反而是在到了看起来千头万绪现代派阶段以后，其发展脉络反而变得更加清晰起来。现在我试图用自己不成熟的理解来分析描述一下：在现代以前，美术是沿着“善”“真”“美”这三个不同的维度发展的，而进入现代以后，艺术家们的关注变成了“本”，本质的本，形而上学和意义层面的本。所以这本书看起来比第一层更清晰了，尤其是到了夏加尔、康定斯基和蒙德里安那里，真是让人尊敬。原作者的跋也能仔细看出他拆分上下册时的心机：马奈以前——和莫奈以后。文字虽然简单，但作者真的是有很棒的洞察力，读者一旦选择了这本书，就请一定从头看到最后。
这本书使我对于如何欣赏近现代的画作有了一定的头绪，也大概了解了创作背景。尽管如此，我还是欣赏不来这一本里讲解的那些名画……总体来说，这是一本语言通俗、趣味性较强的艺术知识普及书。
关于艺术的点心、小菜。
莫奈、雷诺阿、塞尚、梵高、高更、修拉，之前看印象派画家时，已经有点了解。
劳特累克，石板画与海报。
卢梭，梦幻般的不真实。
蒙克，恐惧与不安的专家。
马蒂斯，单纯化的色块，没有空间、深度。野兽派。
夏加尔，梦幻般的回想。
康定斯基，抽象艺术，看画需要想象力。
蒙德里安，横竖线条也成画。
毕加索，立体主义。
适合名画扫盲，很好读
简单易懂 入门级别的非常好的读物
