<p>《钢琴学习指南:答钢琴学习388问》有十分具体的常识性、知识性方面的;有宏观、理论认识方面的;有纯技术动作方面的;也有属于音乐美学、史学方面的。体例上,《钢琴学习指南:答钢琴学习388问》对问题做了大致的分类。但是,由于不少问题引有关联,或问法不同本质相同,故答案也是相似的。只是为方便读者,尽量保持了每个问题的相对独立性。这样,读者就可以在有问题时,通过查阅目录,直接选择阅读某一条问答,并不需要阅读全书。当然,正因为许多问题都互有关联,如能一并阅读相关问题的回答,则更有助于领会其中的要点。</p>

题词页

黄翔鹏对小理由的新著《论我国钢琴音乐创作》的肯定，并回忆起自己与桑叶舟教授、袁效先先生的师生情谊。他认为这两位老师的“率真”赤子之心影响了廷格的琴艺。黄翔鹏对廷格在钢琴教学和理论研究上的新贡献表示祝福，同时表达了自己对钢琴教学的期望，希望它能成为社会精神财富的增长，并以艺术感染力提升民族精神素质。



我的希望

魏廷格先生对中国钢琴艺术理论研究的深厚积累，他在钢琴演奏和教学方面也积累了丰富经验。为了迎合我国钢琴学习热潮，他出版了《钢琴学习指南》，书中解答了教与学钢琴过程中的常见问题，内容丰富多样，深受读者喜爱。修订版增加了更多问答，成为了一本知识丰富、切合实际的钢琴学习指南。



深入浅出切合实际

魏廷格先生的《钢琴学习指南》一书，该书针对钢琴学习中遇到的问题提供了全面的指导。书中不仅详细说明了学习钢琴的各个方面，如求师、选琴、技巧、练习等，还对弹奏技巧的关键要点进行了深入分析。作者强调业余钢琴教学同样需要按照专业标准进行，并从宏观角度阐述了钢琴艺术与人的精神境界的关系，认为钢琴是一种无与伦比的精神财富，其价值远超金钱和权力。



立足具体 着眼宏观

钢琴作为一种乐器的独特之处，它音域宽广，音量变化丰富，是理想的多声乐器。钢琴能够独自构成一个完整的音乐世界，为作曲家提供了无限的表达空间。尽管它也有声音抽象、不易携带等缺点，但与它的优点相比，这些不足显得微不足道。学习钢琴不仅能提高人的音乐素养，还能培养坚强的意志和严谨的作风，对人的整体能力提升有着重要作用。钢琴作为一种普及乐器，在中国受到广泛的欢迎，形成了“钢琴热”，这既体现了人们对精神文化的追求，也反映了经济水平的提升。



一、学习钢琴的目的和意义

人们对于“业余”钢琴弹奏的误解，认为“业余”就意味着可以不正规，如触键不规范、节奏不准确等都可以被原谅。但实际上，无论是业余还是专业，钢琴弹奏的基本原则和技巧都是一致的。业余学生应树立正确的观念，不应降低标准，而是要追求艺术规律和真理，努力提高自己的弹奏水平。



二、业余学习与专业学习的异同

音乐教育的普及性，认为除了先天听觉有缺陷者外，人人都可以接受音乐教育。文章详细列举了观察和考察孩子音乐才能的各个方面，如自幼喜欢唱歌、音高和节奏准确、对乐器的兴趣、专注听音乐的能力等。同时，文章还强调了考察和判断孩子音乐才能的重要性，认为初次考察成绩不理想并不代表孩子音乐才能不高。此外，文章还介绍了学习弹钢琴的基本条件和理想条件，指出除了特殊情况外，任何人都可以学习弹钢琴。最后，文章探讨了钢琴学习的适宜年龄、左撇子学习钢琴的优势、性别对学习效果的影响以及手小是否不利等问题，并给出了解答。



三、学习弹钢琴的条件

电子琴与钢琴之间的差异，指出虽然电子琴键盘与钢琴音程一致，但触键方法、力度控制、踏板使用等方面与钢琴存在显著不同。电子琴无法自如地控制力度，也没有踏板，且左手技术训练相对简单，无法弹奏复调音乐。此外，电子琴的音域小于钢琴，限制了演奏范围。尽管现代电子钢琴在某些方面接近钢琴，但仍然无法完全替代真实的钢琴，长期使用电子琴可能影响未来学习钢琴的适应。而手风琴的触键和力度控制方法也与钢琴不同，因此，学习手风琴对学习钢琴并无益处。



四、先学电子琴等乐器的利弊

钢琴学习过程中的种种挑战，包括技术掌握、练习时间、中断学习等。强调了持续练习和正确方法的重要性，指出即使是每天只练习半小时，也能通过严格和认真的练习取得进步。同时，文章也提到中断学习后可能会带来技术上的损失，但通过保持练习的连续性或进行基础练习，可以尽量减少损失，甚至可能在学习中断后达到更高的层次。



五、钢琴学习的持久性和连续性

选购钢琴时的注意事项，强调了挑选钢琴时音色、音色均匀性、琴键轻重、触感以及延音的重要性。同时，也提到琴凳的选择和音律准确性的保持，以及如何调整音律和频率。选购钢琴时，除了关注钢琴本身的质量，还要考虑琴凳的稳定性与舒适度，以及音律的准确性对音乐表现的影响。



六、选购钢琴，保持音律

钢琴学习的重要性，强调即使是初学者，也需要专业化的教师指导。指出初学者容易受到最初印象的影响，因此选择一位专业素养好的教师至关重要。同时，文章还讨论了钢琴教师的资格要求，包括技术、示范、教学能力等，并提出了如何解决缺少钢琴教师的矛盾的建议，如成立教师协会、进行考核认证、举办培训等。此外，文章还讨论了钢琴教学的方式，包括个别授课和集体授课的优缺点，以及如何结合两者以提高教学效果。



七、拜请钢琴老师

孩子学习钢琴的过程中，家长的作用至关重要。家长应避免过度代替孩子学习，避免因急于求成而给孩子施加压力，也不要完全放手不管。家长应该起到“助教”的作用，帮助孩子理解和落实老师的教学要求。此外，对于孩子练琴不专心、兴趣不大的问题，家长应通过规律练琴时间、明确目标、适当的教学选材等方式来引导。同时，也要注意培养孩子的独立性，让孩子在学习过程中学会自主思考和解决问题。在对待批评与表扬方面，老师应针对学生的不同情况进行恰当的处理，以鼓励学生不断进步。



八、家长、学生、老师之间

初学者在学习钢琴过程中，应该避免只练习自己喜欢的乐曲。因为这样容易导致技能培养不全面，缺乏系统性。学习钢琴需要从基础教材入手，如《钢琴基本教程》、《现代钢琴教程》等，同时也要学习各种风格的乐曲，提高艺术与技术水平。在学习过程中，要注意结合古今中外的多种内容，不仅要重视技术训练，还要注重音乐性。此外，中国教材和钢琴曲的学习也非常重要，可以帮助学生更好地理解和欣赏中国音乐文化。在钢琴学习的过程中，还需要注意选择合适的教材和曲目，不能只练习自己喜欢的，要全面提高自己的钢琴水平。



九、初级钢琴教材

钢琴弹奏中的技术与技巧，指出二者虽密切相关但有所区别。技术强调的是不涉及艺术性的能力，如手指的速度、力量和灵敏度等，而技巧则是将技术运用于乐曲艺术内容表现的能力。强调了音乐内容在钢琴演奏中的重要性，指出技术是表现音乐内容的前提，技巧则是恰当运用技术表达音乐内容的关键。同时，强调正确的方法对钢琴学习者的必要性，即使是自娱性质的钢琴爱好者，也需要掌握一定的技术和技巧。



十、技术、技巧与音乐内容的关系

如何正确调整坐姿，确保与钢琴的距离、位置和高度适中。坐姿的正确与否对弹奏技术至关重要，能帮助弹奏者全面控制键盘，并形成稳定的距离感，提高识谱能力。调整坐姿应关注三个要点：与钢琴的距离、键盘中间点和坐位的高低。同时，坐姿与身体重心关系密切，在弹奏过程中，重心会随手臂动作而移动。正确的坐姿要求双脚踏实、臀部稳定、腰部挺直、胸部自然、颈部灵活，以保持稳定、自信和积极的弹奏状态。



十一、坐的位置及整体姿势

钢琴弹奏中肩部、上臂、肘部和前臂的正确状态和作用。肩部应保持自然下垂，上臂则随肩部摆动，肘部则负责抬起前臂并控制其动作，前臂应顺从肘关节控制，并与腕部协调。这些部位在弹奏时需保持放松和自如，避免紧张和僵硬，以实现流畅的弹奏。同时，还强调了如何克服弹奏中可能出现的毛病，如肩部耸起、肘部僵硬等，以提升弹奏技巧。



十二、肩、臂、肘

手腕在钢琴演奏中的重要性，它不仅是连接手与前臂的关节，更是弹奏任务的直接执行者。手腕需要具备多种能力，如灵活控制手部上下、左右动作，主动自如地移动，以及拥有弹性和爆发力等。手腕的活动不仅关乎对手部的控制，还涉及到自身的灵活性。在弹奏中，手腕的动作有时以手腕为主，有时则需配合手指和前臂。同时，手腕要保持放松，避免僵硬和过高，以保障手指和前臂的灵活性。此外，手腕的僵硬和过高是常见的毛病，需要通过针对性的练习来改善。



十三、手腕

弹琴时手型的正确方法，指出“手要像握个鸡蛋一样”的说法并不准确，这种手型会导致手指紧张，影响音质和手感。正确的手型应该是自然放松的状态，手指保持一定的弧线，掌关节稍稍拱起。这种手型有助于手指的灵活和声音的流畅。同时，还介绍了掌关节、手指第一、第二关节的能力和作用，强调了稳定性和灵活性在弹奏中的重要性。



十四、手型、指型及手部各关节

钢琴演奏中“弹”与“按”的区分，指出“弹”在钢琴演奏中特指手指独立地、灵敏地向下触键的动作，而“按”则更多用于风琴、电子琴等乐器的演奏描述。文章深入探讨了手指基本功的重要性，包括独立性、力量、均匀性和支撑力等方面。强调了手指独立性训练中掌关节的积极主动性，并详细介绍了训练手指支撑力的方法。此外，文章还针对不同手指（如4指、小指、大指）的特性和训练方法进行了详细阐述，并强调了有准备地触键的重要性。



十五、手指基本功

人体在弹奏钢琴时的整体性与局部性。弹奏动作的分解与综合密不可分，分解强调局部动作的主导，综合则是整体协调配合。通过训练和加强局部动作，我们可以提升整体的协调性。分解和综合相辅相成，共同促进弹奏技术的提高。



十六、弹奏动作的分解与综合

钢琴演奏中的重量转化为声音的原理。文章详细阐述了通过手指施力在琴键上，人的身体重量被转化为声音的过程。文章指出，声音的大小与施力的多少和施力的速度成正比。同时，也讨论了钢琴演奏中压力与重量的关系，以及如何通过控制重量和速度来达到不同的音量和音色。文章还提到了钢琴演奏中“手指派”与“重量派”的区别，强调手指和重量的结合对于钢琴演奏的重要性。最后，文章讨论了弹奏中放松和紧张的问题，以及如何通过正确的放松和避免紧张来提高演奏水平。



十七、重量、力量、放松

音乐弹奏中如何产生好的声音。文章指出，好的声音并非单一，而是需要丰富多采的音色，包括各种力度、明暗度、柔和与坚实之间的过渡。初学者应追求舒畅、圆润、共鸣好、余音长、传得远、能控制力度及其变化的、有初步明暗刚柔对比的声音。正确的触键方法是弹奏出好声音的关键，它需要听觉和技术的结合。听觉要树立目标，技术提供手段，两者相辅相成。文章还强调了手指支撑力、触键方式、关节状态等对声音质量的影响，以及如何通过练习和聆听来提高弹奏水平。



十八、声音

音阶的概念及其重要性。音阶是按照音高顺序排列的乐音序列，不同民族和地区有不同的音阶。音阶的练习对钢琴学习者来说至关重要，因为它可以平衡手指的发展，提高控制能力，并训练快速反应。此外，熟悉音阶有助于熟悉音键位置和调式，为演奏乐曲中的技术难点做好准备。音阶的弹奏需要掌握正确的触键方法，包括提前准备、手位移动等，以及注意力度的均匀分布。在练习过程中，要避免常见的缺点，如手腕过度用力、手指独立性不足等。通过长期坚持的练习，音阶弹奏的水平可以成为学生技术水平的标志之一。



十九、音阶

琶音这一音乐技巧，首先解释了和弦的概念，和弦是由音阶中相邻三度音叠置而成的。琶音则是将和弦中的音依次奏出，而非同时奏出。这种技巧在钢琴音乐中占有重要地位，是提高钢琴技术水平的标志之一。琶音的练习需要手腕的灵活协调、手指的积极主动，以及快速、准确、连贯的弹奏。同时，还介绍了弹奏琶音时应注意的基本要领、常见缺点以及特殊困难及其克服方法。



二十、琶音

连奏的基本概念和技巧。连奏是音乐中音与音之间无缝衔接的表现，通过特定的记号在乐谱上体现。弹奏时，要注重听觉监督，保证音与音之间没有缝隙和重叠，运用重量转移的方法，让每个音像生长出来的一样，感觉连绵不断。文章还探讨了不同类型的连奏，如单声部、双声部和和弦的连奏，以及如何处理快速和徐缓音符的连奏。此外，还提到了换手连奏、相同音的连奏以及手指够不到的音如何连奏等问题，提供了丰富的实践指导。



二十一、连奏

跳音的奏法及其种类。跳音，即通过在乐谱中标有小圆点或小黑三角的音符来表现，其奏法包括只奏出音符一半时值的小圆点，以及奏出四分之一时值的小黑三角。实际演奏时，不必精确计算时间，关键在于弹得短，小黑三角比小圆点更短。跳音的种类繁多，可按触键动作方式、主要动作部位、音符结构形式和音符进行形式来分类。反弹力跳音和下弹力跳音是按触键动作方式分类的两种主要跳音，其中反弹力跳音要求在指端触键前集聚重量感，然后突然离去，动力主要来自腕关节；下弹力跳音则是触键动作方向由上往下，弹出跳音。此外，还有手指跳音、手腕跳音和前臂跳音等，它们的使用和要领各有不同。



二十二、跳音

钢琴演奏中的非连奏和断奏概念。非连奏指非跳音的奏法，根据速度不同，可逐音弹奏或保持清晰触键。断奏则有时与跳音同义，有时指非连奏。连断奏介于两者之间，需感受“又断又连”的效果。保持音则指尽量延长音符时值，弹奏时触键要深，避免过早离键。这些技巧都需要细心理解和实践。



二十三、非连奏、断奏、连断奏、保持音

双音的概念，即同时弹奏两个音。文章从双音的名称、分类、协和与不协和的原理，以及如何练习弹奏双音进行了详细的阐述。首先，双音可以是按音的唱名或音程度数来称呼，如do-so双音或纯五度和音。接着，根据时值、连奏、跳音和重复等方面对双音进行了分类。然后，阐述了协和与不协和的听觉感受，以及不同音程的协和性。此外，文章还强调了练习双音时要注意协和与不协和，并提出了提高双音听觉能力的练习方法。最后，针对不同类型的双音弹奏，如时值较长的双音、连奏双音、跳音双音和持续重复的同一双音，分别给出了弹奏要领。



二十四、双音

和弦的定义和构成，和弦是三个或以上不同音按规则结合发音的音组合。不同地区音乐中对和弦的构成有不同的规则，欧洲古典音乐中和弦的相邻音都是三度音程关系，而中国音乐中则不一定。介绍了和弦的原位形式和转位，以及和弦的色彩和弹奏技巧，如时值较长的和弦、连奏的和弦、跳音的和弦等。强调了和弦的听觉训练和弹奏技巧的重要性，包括如何提高听辨能力和如何弹奏不同类型的和弦。同时，还提到了和弦在音乐中的作用，以及如何通过和弦的色彩和力度关系来丰富音乐的表现力。



二十五、和弦

音乐中力度的变化与重要性。力度不仅仅是声音的强弱，它还是音乐表现情感的关键。任何乐曲都存在力度变化，这是因为音乐要表达人的心情，而心情是丰富多变的。音乐中的力度变化和对比，就像语言中的重音和语气，是音乐美的体现。掌握力度变化，需要学会控制发力关节的力量、投入的重量和触键速度。通过理解力度记号和作品的整体布局，我们可以更好地弹奏出音乐的情感和美。



二十六、力度

音乐中节奏的重要性，它不仅仅是乐音在时间上的组织，更是音乐艺术的生命线。节奏通过拍子、节拍和拍子的规律性，使得音乐具有艺术意义。音乐可以没有曲调，但无法没有节奏。节奏在音乐中起到支撑作用，正确地弹奏节奏对于表现乐曲的性质、情绪、风格和情趣至关重要。同时，节奏感的培养对于音乐学习非常重要，它包括对节拍、速度、旋律形式等因素的把握。通过拍感训练和音乐理解，可以更好地表现音乐的节奏美。



二十七、节奏、节拍、速度

钢琴指法的重要性，强调了指法在钢琴演奏中的基础作用。指出指法如同写字的笔顺，对演奏的顺畅性至关重要。合理指法要合乎手指与键盘、音符及手指间的关系，有助于逻辑、规律地弹奏。指法不仅关乎技术，还能帮助背谱和表现音乐风格。文中指出，即使音符正确，错误的指法也会带来隐患，影响技术提高和音乐表达。此外，还介绍了安排指法的基本规律和如何结合乐谱学习指法规律。



二十八、指法

复调音乐的基本概念，即由两个或两个以上独立旋律同时进行，形成纵向、立体结构的横向运动。在巴洛克时代，复调音乐是主流，巴赫是代表人物。而主调音乐在古典时期兴起，成为主要音乐思维形式。复调音乐和主调音乐在中国传统音乐和现代创作中都有应用。学习复调音乐可以提高旋律弹奏能力、双手独立性，以及多声部音乐思维力。复调音乐在钢琴演奏中尤为重要，是钢琴音乐的基础。同时，复调音乐和主调音乐的结合，以及不同声部间的力度关系处理，都是学习复调音乐的重要方面。



二十九、复调音乐

乐句在音乐中的重要性，将其比喻为文章中的句子，强调乐句能表达相对完整的意思。划分乐句的目的是为了理解乐曲，就像理解文章中的每句话一样。划分乐句时，需要认真体味、反复感受，从心理上感觉出这些音是一个句子，是说明一个意思的。乐句的划分有时并不是只有一种划法是唯一正确的，可能几种方案都有道理。弹好乐句需要理解乐句的气质、性格、风格，看清乐音运动的走向、趋势、逻辑关系，并懂得乐句的涵义。同时，还需注意乐句的开头、收尾以及中间的起伏变化，以及音断意不断、旋律线的“句感”。



三十、乐句

装饰音在音乐中的重要作用，它不仅能美化音色，还能弥补某些乐器的发音弱点。装饰音种类繁多，如颤音、倚音、回音等，它们通过不同的节奏和演奏方式，使音乐更具魅力。练习装饰音需要手指的灵巧和敏捷，同时要注重节奏的准确性。通过老师的指导、慢练和专注练习，初学者也能掌握装饰音的技巧。



三十一、装饰音

钢琴踏板的发展历程和作用。从最初的手控到膝控，再到1783年布伦德伍德发明的脚控踏板，踏板成为钢琴的灵魂。它不仅能延长音效，还能美化音色，丰富和声。然而，踏板的使用需要技巧，不当使用会导致音乐混乱。踏板技术的掌握需要长时间的练习和敏锐的听觉。虽然踏板不能完全依赖教学，但老师可以教授基本原理和技巧，学生的耳朵和练习是关键。



三十二、踏板

在学习新曲子时，学生应遵循几个关键步骤。首先，通过聆听示范录音或老师的演奏，掌握乐曲的基本特点。随后，老师会指导技术难点和注意事项，帮助学生纠正错误。在家练习时，学生需关注调号、节拍、指法和乐句划分，保证练习的正确性，为未来艺术性演奏打下坚实基础。

在钢琴练习中，分解练习和整体练习同样重要。分解练习是对乐曲中任何局部进行的单独练习，而整体练习则是将分解练习的成果综合检验。分解练习有助于克服技术难点，整体练习则是实现这一目的的途径。练习过程中，要注意动作的衔接和节奏韵律，将局部技术动作连贯起来，形成最佳动作路线。同时，明确练习目的，保证时间，确保耳朵和头脑同步参与，并注重练习质量。

音乐联弹对于提升节奏感、锻炼听觉和音乐理解力具有重要意义。在联弹中，学生需注意听老师的声部，提高听觉要求。尽管初级教材中联弹曲较少，但通过学生与老师交换左右手联弹，可以收到四手联弹的益处，加深对乐曲的理解。然而，这种做法也带来不便，需要老师用不习惯的手弹奏，避免师生挤在一起。

三十三、练习方法

钢琴弹奏中的注意力问题，强调了精神集中、专心致志的重要性。文章提到，无论是台上的演奏还是台下的练习，都需要高度集中的注意力。同时，还讨论了弹奏中的有意识和下意识，以及如何通过有意识的训练积累下意识的技术。此外，文章还指出了在弹奏中需要注意的地方，如旋律、技术困难、乐句与段落之间的衔接等。最后，文章探讨了如何达到弹奏中的下意识和自动化，以及如何克服练琴时顾此失彼的问题。



三十四、注意力

钢琴练习曲的学习方法和注意事项。首先强调了逐条练习的重要性，但同时也指出在技术相近或难以胜任的情况下可以适当跳过。强调了掌握技术是为了弹奏艺术性乐曲，最终要根据学生掌握技术的实际情况来决定练习的方式。此外，还讨论了在学习过程中可能遇到的问题，如错音、进步缓慢等，并给出了相应的解决方法。同时，强调了音乐考级的意义和注意事项，建议学生不要过分依赖考级，而应注重音乐修养和技能的提升。



三十五、学习进度

钢琴弹奏中完整性的重要性，强调了它不仅是技术层面的要求，更是对音乐本身的理解和表达。指出不完整弹奏会导致音乐美感丧失，艺术境界无法体现。文章分析了导致弹奏不完整的原因，包括技术难度、速度选择、注意力分散、练习方法等，并提供了相应的解决策略。同时，强调练习中要注意整体与分解练习的结合，避免因翻谱而中断音乐进行，提升演奏者的音乐完整性。



三十六、完整性

歌唱性在音乐中的重要性，阐述了音乐起源于歌唱，且器乐艺术的发展离不开声乐艺术。文章进一步分析了钢琴演奏中的歌唱性，强调了体验、理解、领会钢琴曲的歌唱性是钢琴艺术大师们的共同追求。同时，讨论了如何在钢琴上实现歌唱性，包括触键方法、耳朵辨别能力、乐句划分等方面。最后，指出边弹边唱不一定有助于歌唱性的培养，并建议在心里暗中唱，手指明里唱，耳朵欣赏唱。



三十七、歌唱性

音乐表现的复杂性和多样性，音乐不仅仅是音符的组合，它还能唤起美感、情感、情绪、联想和想象等心理反应。音乐表现是内心感受在乐音上的显现，需要弹奏技术和音乐感受的双重努力。音乐表现的关键在于对音乐的理解和感受，以及弹奏技术的熟练运用。同时，音乐表现还涉及到音乐风格、语言、语调和语气等方面，需要学生在弹奏时加以注意。提高音乐感受能力的方法包括多听、多欣赏、学习音乐理论等。学生应敢于尝试编写钢琴曲或编配钢琴伴奏，这有助于深化对音乐艺术本质的认识。



三十八、音乐表现

音乐中的音名和唱名概念，解释了它们在五线谱和钢琴键盘上的固定位置以及音高。接着详细描述了固定唱名法和首调唱名法的区别，前者在所有调性下都保持唱名不变，而后者则随调性改变而改变。文章还讨论了简谱乐谱只使用首调唱名法，并权衡了固定唱名法和首调唱名法的优缺点。此外，还涉及了识读新谱的方法、分手与合手弹奏的选择、正确的读谱方法、如何提高读谱能力以及背谱弹奏的意义和方法。



三十九、读谱、视奏、背谱

内心听觉这一概念，即在寂静中通过内心想象音符的高度、长度和力度。内心听觉对音乐学习者来说非常重要，它能提高识谱、读谱能力，增强艺术表现力，使演奏更有目的性和质量。提高内心听觉的方法包括视唱练耳训练、先在心中想象再实际弹奏、以及将学弹的曲目在心中完整聆听等。虽然视唱练耳课对提高内心听觉很有帮助，但学生也可以通过自学和练习来提升这一能力。



四十、内心听觉能力

公开演奏的重要性，指出这不仅是对艺术的一种分享，也是提升自身艺术水平的途径。公开演奏要求弹奏者具备不同于平时练琴的心理状态，需要面对观众的压力和自身的心理素质。文章强调了在公开演奏时需要注意的事项，如提前了解演奏环境、保持自信和冷静、注意乐曲的开头和结尾等。此外，文章还提到如何选择表演曲目，以及如何克服公开演奏中的恐惧心理。最后，针对弹伴奏的情况，给出了注意事项，如伴奏谱的准备、与指挥或独唱者的配合等。



四十一、公开演奏、伴奏

音乐会对于钢琴学生的价值，不仅是艺术欣赏，更是学习的机会。音乐会中的演奏具有典范性，可以生动启迪学生。与听磁带或录像带不同，听音乐会能身临其境地感受演奏家的技术动作和表情，还能体验到独特的音乐气氛。为了更好地学习，学生应事先了解曲目，静心聆听，感受音乐的整体发展。同时，参加音乐会也要注意礼貌，衣着整洁，不干扰他人，并在演奏结束后给予演奏家应有的掌声。对于是否参加高质量音乐会，虽然有一定道理，但学生应尽可能多地去听音乐会，从不同水平的演奏中学习。此外，示范带对于钢琴学习也具有重要意义，可以作为学习的范本和解答疑问的工具，但要注意正确使用，避免机械模仿。



四十二、听音乐会、听示范带

音乐理论知识的重要性，强调和声学、对位法、曲式学以及音乐史等方面的知识对于深入理解和感受音乐具有关键作用。音乐作品不仅包含感性的听觉体验，还有理性的结构和历史背景。通过学习这些理论知识，我们可以更好地把握音乐的逻辑、结构和历史演变，从而提升对音乐的鉴赏能力和演奏技巧。对于钢琴学生来说，掌握和声学和曲式学知识尤其重要，因为钢琴本身就是一件和声乐器，弹奏过程中需要理解和处理和声。通过学习这些知识，钢琴学生能够更加清晰地理解乐曲的结构和情感表达，从而提升演奏水平。



四十三、关于音乐理论知识

钢琴的发明历程，它由克里斯托弗里在1710年前后发明于意大利佛罗伦萨，最初名为Piano e forte，意为“弱和强”，后来简称为Piano。钢琴与古钢琴（击弦键琴和拨弦键琴）的关系密切，它们是钢琴的前身。钢琴在发音原理和音色上与古钢琴不同，尤其是在力度变化上，钢琴可以自如地弹出强弱对比，而古钢琴则无法实现。钢琴的诞生是音乐艺术发展的需要，它在古钢琴的基础上逐渐完善。此外，还探讨了钢琴曲的起源，许多钢琴曲最初是为古钢琴创作的，如何在现代钢琴上弹奏古钢琴曲也成为了讨论的话题。



四十四、历史、风格知识

1600年，意大利传教士利玛窦将欧洲的击弦古钢琴带入中国，这是古钢琴传入中国的确切记载。尽管音乐学界曾认为元朝时期古钢琴已传入中国，但这一说法缺乏依据。钢琴于19世纪末20世纪初传入中国，但最初仅是少数外国教会学校的钢琴课程。随着上海国立音乐院的建立，钢琴教学开始走向专业化，培养出了第一代钢琴教授。中国人学习钢琴的历史悠久，早在康熙时期就有太监学习弹奏。中国钢琴家在国际比赛中屡获佳绩，证明了中国人在钢琴领域的才能。同时，中国钢琴曲创作也在不断发展，其中《牧童短笛》被认为是第一首完全成熟的中国钢琴曲。



四十五、中国钢琴音乐知识

乐谱版本问题产生的原因，包括编订者对原作理解的不同导致的不同版本，以及作曲家对作品进行修改产生的不同版本。同时，也探讨了如何认识乐谱版本问题，从音乐美学角度分析，指出艺术真理的相对性是乐谱版本问题产生的根本原因。最后，提出了对待乐谱版本问题的建议，如使用原版乐谱、比较分析不同版本等。



四十六、关于乐谱版本问题

本书的修订过程，最初由北京出版社出版，后来在广泛鼓励和建议的基础上，修订并扩充为现在的“答钢琴学习388问”。作者特别感谢了多位钢琴界前辈和同仁的帮助，包括丁善德老师的题词、黄翔鹏先生的指导、周广仁老师的理论关心和倪洪进先生的讨论，以及人民音乐出版社的支持和编辑工作。这些帮助使得本书质量得到提升。

