How does a work of music stir the senses, creating feelings of joy, sadness, elation, or nostalgia? Though sentiment and emotion play a vital role in the composition, performance, and appreciation of music, rarely have these elements been fully observed. In this succinct and penetrating book, Charles Rosen draws upon more than a half century as a performer and critic to reveal how composers from Bach to Berg have used sound to represent and communicate emotion in mystifyingly beautiful ways.
Through a range of musical examples, Rosen details the array of stylistic devices and techniques used to represent or convey sentiment. This is not, however, a listener’s guide to any correct” response to a particular piece. Instead, Rosen provides the tools and terms with which to appreciate this central aspect of musical aesthetics, and indeed explores the phenomenon of contradictory sentiments embodied in a single motif or melody. Taking examples from Chopin, Schumann, Wagner, and Liszt, he traces the use of radically changing intensities in the Romantic works of the nineteenth century and devotes an entire chapter to the key of C minor. He identifies a unity of sentiment” in Baroque music and goes on to contrast it with the obsessive sentiments” of later composers including Puccini, Strauss, and Stravinsky. A profound and moving work, Music and Sentiment is an invitation to a greater appreciation of the crafts of composition and performance.
查尔斯·罗森（Charles Rosen，1927—2012）：美国钢琴家、音乐著述家和批评家。罗森出生于纽约的一个建筑师之家，自幼习琴，少年时拜著名钢琴家、李斯特的弟子莫里茨·罗森塔尔为师，师承李斯特谱系。在音乐家、钢琴家的身份之外，罗森出版有《古典风格》《自由与艺术 》《音乐与情感》《钢琴笔记》《浪漫派》等诸多作品。
【译者简介】罗逍然：古典学及音乐学青年学者，华盛顿大学古典学博士。通晓古希腊文、拉丁文，并掌握英、德、法、意文。音乐学方面译有《音乐与情感》与《意义的边界》。古典学方面，在我国首次将古希腊叙事诗《阿尔戈英雄纪》与叙事诗残篇《赫拉克勒斯之盾》翻译成中文并且进行了详尽的注疏，另译有古典学论集《柏拉图与赫西俄德》。此外还有多部古典学以及音乐学方面的著译、笺释待出。
- 作者查尔斯·罗森凭借半个多世纪的演奏与评论经验，深入剖析从巴赫到贝尔格等作曲家如何利用声音技巧表达情感。本书并非提供聆听音乐的“标准答案”，而是揭示音乐中情感表达的机制，帮助读者理解为何某些音乐能引发愉悦、悲伤或怀旧等复杂感受，强调音乐情感表达的非语言性与非符号性本质。
- 书中明确反对将音乐情感视为某种可解码的密码系统或固定符号。罗森指出，音乐语法虽丰富，但词汇意义模糊，无法像语言那样精确传达特定含义。他通过对比莫扎特与瓦格纳的作品，说明不同作曲家处理情感张力的差异，强调音乐情感体验依赖于听众自身的神经系统倾向与心理投射，而非客观的语义对应。
- 本书详细探讨了音乐形式结构与情感统一性的关系，如巴赫音乐中节奏驱动力与和声变化如何共同构建情感张力。同时，书中涉及对贝多芬等作曲家争议性风格的讨论，澄清了历史上对音乐情感表达的误解。罗森强调，欣赏音乐不应追求对情感内容的字面解读，而应关注音乐本身的形式美感与听觉体验的纯粹愉悦。
- 适合对古典音乐有深厚兴趣，且希望超越表面聆听，深入理解音乐创作原理与情感表达机制的读者。本书要求读者具备一定的音乐理论基础，能够阅读乐谱并理解专业术语，适合音乐专业学生、教师及资深古典音乐爱好者，旨在提升其音乐分析能力与审美深度，而非提供通俗的欣赏指南。
- 适合对音乐心理学、美学及艺术哲学感兴趣的跨学科读者。书中关于音乐情感非语义性、反符号系统的论述，为理解艺术本质提供了独特视角。尽管内容学术性强，但其对音乐体验本质的探讨具有普遍哲学意义，适合希望从理论层面反思艺术感知、探索人类情感与声音关系的研究者与思考者。
- 适合从事音乐创作、编曲或表演，并试图探索如何通过技术手段更有效地传达情感的音乐从业者。罗森对具体作曲技法、和声张力及形式结构的分析，为创作者提供了宝贵的历史视角与理论反思，帮助他们理解为何某些音乐表达能触动人心，以及如何在尊重音乐本体规律的前提下进行艺术创新。
- 本书学术性强，涉及大量专业音乐术语与历史背景，阅读门槛较高。建议读者在阅读时配合聆听书中提及的巴赫、莫扎特、贝多芬等作曲家的具体作品，通过实际听觉体验辅助理解文本分析。切勿试图寻找音乐情感的“标准解释”，而应关注作者对音乐形式与听觉心理关系的深刻洞察。
- 读者需调整预期，本书并非情感解读指南，而是对音乐情感表达机制的批判性反思。罗森明确反对将音乐视为情感密码，因此不要期待从中获得对乐曲情感内容的直接释义。阅读重点应放在理解作者如何论证音乐的非语义性，以及音乐形式本身如何独立于具体情感内容而产生审美价值。
- 书中部分观点可能挑战传统音乐欣赏习惯，如否定音乐情感表达的确定性。读者应保持开放心态，接受音乐体验的主观性与模糊性。若对某些历史背景或技术细节感到困惑，可查阅相关音乐史资料辅助理解，但核心在于把握作者对音乐艺术本质的哲学立场，即音乐的价值在于其形式与听觉体验本身。
- 读者普遍认可本书在音乐学领域的权威地位，认为其展现了作者惊人的音乐文本洞察力与深厚学识。尽管部分读者反映阅读困难，但多数认为其内容极具启发性，能纠正以往对音乐情感表达的误解。本书被视为音乐学研究的典范之作，其严谨的学术态度与深刻的理论分析赢得了专业读者的高度尊重与赞誉。
- 读者共识认为，本书有助于提升音乐聆听的质量与深度。通过阅读，读者意识到此前可能“白听”了许多音乐，未能察觉作曲家的精心设计。尽管书中观点可能显得过时或保守，但其对音乐形式美感的坚持及对反符号化解读的批判，仍被视为极具价值的学术贡献，有助于读者建立更健康的音乐审美观念。
- 读者指出，本书不适合寻求简单情感共鸣或通俗欣赏指南的普通听众。其学术性与抽象性使其成为一本需要反复研读、仔细思考的严肃著作。然而，对于愿意投入精力深入探索音乐本质的读者而言，本书提供了不可替代的理论工具与思维框架，使其能够更负责任、更深刻地参与音乐艺术活动，获得更高级别的审美愉悦。
本导读基于书籍简介、目录、原文摘录、短评和书评生成，不等同于全文精读。
- "在音乐中，感受带来的愉悦所依靠的，不仅是耳朵的，而且是整个神经系统的一种特别倾向……此外，比起绘画与诗歌来说，音乐更加需要从我们这里找到这些对其有利的倾向。而音乐的象形文字是如此轻弱，如此短暂，我们如此轻易地就会让它飞逝或是误读它，以至于一首交响曲中最美的乐章也产生不了什么效果，多亏我们心中那纯粹且简单的感受所带来的绝对可靠而又微妙之至的愉悦感远远地超过了这种通常含混不清的表达方式……那么，在三种模仿自然的艺术中，其表达方式最为随意、最不准确的那种却怎么会最为有力地对灵魂进行诉说呢？"
- "在《特里斯坦与伊索尔德》刚一开始，人们就已经发觉了瓦格纳的音乐在表现爱欲之激情时所展现的力量（带着钦佩之情，或者是恐慌情绪）；但是，要是拿出《女人心》中古列尔莫（Guglielmo）与多拉贝拉（Dorabella）的二重唱，以及《唐·乔万尼》中唐·乔万尼与采莉娜（Zerlina）的二重唱作为例子，热爱莫扎特的人就绝不会愿意相信莫扎特没有和瓦格纳做得一样好。不过，莫扎特笔下的爱情二重唱虽然感染力强大，但却只能维持几分钟的时间，而要让这种力量持续四十五分钟，就超越了他当时所有的音乐技法了。当然，就算说莫扎特的音乐也一样是肉欲四溢，他对爱欲的表达和瓦格纳的表达仍然是相当不同的。我认为，我们有充分的理"
- "我在这里提到这个话题是因为，关于为什么我们会喜爱某些音乐风格，有时会出现某种误解——相信在音乐所表达的一切感情特质之上，我们最珍视的是音乐的情绪气场。然而，大约在1810年，当时贝多芬仍然颇受争议，许多人在第一次接触到他的音乐之时都感到骇然，歌德的朋友、门德尔松的老师卡尔·弗里德里希·泽尔特（Carl Friedrich Zelter）甚至将喜好贝多芬的音乐形容为一种性变态。后来，经过更多的聆听，泽尔特也承认，大多数音乐爱好者普遍都变成了贝多芬音乐的疯狂迷恋者。并不是他们因为认同作品中的情感而被作品的风格所征服，而是恰恰相反，当他们习惯了作品的风格并感到情投意合之后，才最终能够进入其中的情感世"
- "在曲式的结构中，情感的统一性（Unity of Sentiment）能够完美地契合当时（18世纪初期）人们对节奏与织体的品位。比如，除去少数例外，在J.S.巴赫的音乐中，由一定曲式架构起来的曲子在节奏上是一个连续体，由一股不可阻挡的驱动力将音乐一直推到最后的终止式，延阻这股力量的声音只有很少几个或者根本没有，当然，这些作品都会因为强度的波动而显得多变——音效厚度上的变化、不协和和声在内容上的变化、音乐中浮现在表层的内容，这些往往很有新鲜感，这些都能让作品避免因一成不变的规律性而显得单调。"
- "遗憾的是，我所读到的大多数探讨音乐情感的论著都尝试着想要建立起这样一种密码，一个符号系统，甚至是一个艰涩深奥的系统，而这些论著都假定过去的听众必定熟悉这个系统。的确，在学习一种语言的时候，我们需要学会识别许许多多词语的传统意义。然而，问题在于，音乐在本质上并不是一种很好的沟通系统，其原因正巧在于，尽管音乐的语法和句法非常丰富且力量十足，但它的词汇确实无力且意义不清的。"
- "莫扎特对于情感的表达也可以强烈地触动一个普通的听者——就算他无法解释莫扎特是如何做到的"
- "不协和音建立起一种不断增强的张力，而协和音则是对这种张力的释放"
- "一个不断重复的动机，在第二次出现时就不一定还有和先前一模一样的意义了"
The Athenaeum
Why I Am Not a Buddhist
The Lessons of Tragedy
The Art of the Bribe
The Voynich Manuscript
The Archaeology of Jerusalem